Espacio Abierto

MARIO GARCÍA TORRES

COSITAS   ENE.2024 – JUL.2024

COSITAS

Cositas es una experiencia conceptual y audiovisual que toma referencias de la cultura popular para cuestionar nuestras interpretaciones de la realidad.

“No quisiera decir demasiado. Confío en que la materialización de las ideas en estas salas tiene el potencial de conectar con algunas de las preguntas más fundamentales de la vida y de nuestra cotidianeidad. Al centro de todas ellas está la relacionada a nuestra interpretación de la realidad. ¿Cuál es la verdadera?, ¿la que nos han dicho o la que nosotros nos hacemos en nuestros pensamientos? Cositas es el pasaje de un número de experiencias que en algún momento en el pasado eran solo cositas; ideas en mi mente que prometían, en un futuro cercano, existir.”

Mario García Torres

Cositas toma su nombre de una frase que se popularizó en la televisión abierta durante la década de los 90 para generar expectativa alrededor de un evento futuro, y que actualmente ha ganado gran popularidad en las redes sociales sin perder su ánimo original: “se vienen cositas”. A partir de esta idea, García Torres presenta 5 obras que toman como referencia un personaje de cómic reconocido mundialmente —que este año se convierte en imagen de dominio público—, la canción de una banda de rock popular de la década de los 80, la estética de la fotocopiadora como práctica pictórica, y memes y videos que hoy por hoy forman parte de nuestro imaginario colectivo por efecto de su circulación viral en redes sociales.

Con este proyecto, el artista juega con la idea de las experiencias audiovisuales destinadas a audiencias masivas, tomando en cuenta el particular contexto en el que se encuentra Arte Abierto. De esta manera, Cositas nos invita a cuestionar las dinámicas de consumo en la actualidad, nuestro rol como espectadores y cocreadores de significados, y las coincidencias que existen entre las imágenes y la vida cotidiana: ¿Cómo es que la caída de un niño puede ser tan relevante como un hecho histórico? ¿Cómo un famoso personaje de cómic permite recordar tantas historias? ¿Cómo puede ser recreado un meme tantas veces, haciéndose cada vez más viral para diferentes generaciones y ámbitos sociales? ¿Cómo impactan y cambian el lenguaje estas imágenes? O, más importante aún, ¿quién crea las imágenes?, ¿quién define el concepto o quién les da un significado?

Así, por medio de un juego marcado por la intuición, la sospecha, el misterio y el humor, Cositas aborda las relaciones que existen entre la realidad y la percepción de nuestra cotidianeidad, el imaginario colectivo y la memoria individual, así como la ausencia y presencia de nuestros pensamientos.

 

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Visita Cositas de Mario García Torres de martes a domingo de 12 a 7 pm en Arte Abierto ubicado en el piso 2 Artz Pedregal (Periférico Sur 3720 Col. Jardines del Pedregal, CP. 01900 CDMX).

Modthern Nature

Modthern Nature es una instalación multisensorial y de sitio específico comisionada por Arte Abierto a la artista Gabriela Galván (CDMX, 1974), con la cual nuestro espacio se convierte en un jardín endémico e hidropónico que propone reflexionar en torno a la relación humanidad-naturaleza, tomando como punto de partida la biodiversidad y la transformación de El Pedregal como resultado del pensamiento moderno.

Modthern Nature surge del interés por experimentar el concepto de transformación, privilegiando la contemplación de acontecimientos naturales y cotidianos desde los sentidos. Para Galván, la transformación y la temporalidad son nociones que, a través del arte, se pueden explorar como campos de experimentación, investigación y conocimiento, tomando en cuenta el contexto inmediato y creando conexiones entre seres vivos, lugares y culturas.

 

Lo que actualmente concebimos como una zona urbana, en la antigua Mesoamérica se le conoció como Cuicuilco, un territorio que fue sepultado por la erupción del volcán Xitle provocando un paisaje volcánico que hasta nuestros días podemos presenciar, vivir y pensar. Más tarde, durante el siglo XX, se vio intervenida por una arquitectura moderna que nos permite dar cuenta de los vínculos entre el desarrollo natural y el desarrollo humano.

 

Los cambios por los que ha atravesado El Pedregal a lo largo de su historia nos permiten pensar en los conceptos de transformación, temporalidad y contemplación, que son de interés para la artista. Acercarnos a este contexto desde el presente no es fortuito: en medio de nuestra vida contemporánea, resulta urgente contemplar la naturaleza endémica que nos rodea para reconocer los saberes que transmiten sus plantas, rocas y seres vivos y, así, reimaginar nuestra relación y nuestro sentido de pertenencia a ella.

 

Como Gabriela Galván propone, Modthern Nature sugiere un reencantamiento con la naturaleza, pero también una reflexión sobre la importancia y nuestra experiencia con la vida a través de lo sensorial. Este proyecto es tan solo una mirada hacia la grandiosidad y complejidad de El Pedregal, guiado por el conocimiento de biólogos, geólogos, historiadores, paisajistas e investigadores que han estudiado los saberes de este espacio histórico. Se trata, además, de la primera exposición a gran escala que Gabriela Galván ha presentado en los últimos 10 años en México y una de las más complejas que ha realizado.

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La exposición Modthern Nature de Gabriela Galván estará abierta de junio a noviembre, 2023 y abre de martes a domingo de 12 a 7 pm en Espacio Arte Abierto ubicado en el piso 2 Artz Pedregal (Periférico Sur 3720 Col. Jardines del Pedregal, CP. 01900 CDMX).

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Agradecemos el apoyo y la asesoría para la realización de este proyecto a: Eduardo Berumen, Dra. N. Ivalú Cacho González, Arq. Wilfredo Cahuantzi Sigüenza, Blga. Teresa Castaño, Bettina Cetto, Dra. Silke Cram, Ing. Antonio González Guzmán, Ing. Luis Lin, Dra. María Fernanda Martinez-Báez Téllez, Pablo Villaseñor, Facultad de Ciencias de la Tierra (UNAM), Jardín Botánico (IB-UNAM), Reserva Ecológica del Pedregal de San Ángel (UNAM) y Taller de Paisaje Entorno.

THINGS WE DO FOR LOVE

24.06.2022 – 19.02.2023

Things We Do for Love es un proyecto comisionado por Arte Abierto al artista visual Erick Meyenberg (CDMX, 1980). Se compone de una videoinstalación con música y diseño sonoro de Roderic, y una escultura de gran formato que, en conjunto, exponen la poética del arte y su efecto en nuestra percepción de la realidad.

La exposición es un ejemplo de las complejidades de la práctica artística y sus transformaciones como resultado de las múltiples miradas y acciones que intervienen en su producción. Para Arte Abierto resulta fundamental exponer la naturaleza colaborativa del arte a través de exposiciones que, como esta, son resultado de un proceso y un intercambio de ideas, pensamientos y sentires.

La invitación a Erick Meyenberg para intervenir nuestro espacio surgió de un interés por acercarnos a ideas y conceptos en común que, a través del arte, se transforman en una reflexión íntima. Así, lo que comenzó como un suceso personal, se convirtió en un proyecto para reconocer cómo definimos nuestra mirada y los sentidos que producimos a partir de ella.

En esas aguas, en todas las aguas, [el ser humano] espera[n] ver reflejada su imagen real. Imagen que hace miles de años fue mutilada. En esa posición, ensimismados junto a la costa, los podemos encontrar donde sea. ¿Añorando qué? Lo que ellos mismos fueron.

– Reinaldo Arenas, El portero (1989)

Mientras me encontraba realizando una residencia artística en Japón* atravesaba por un momento personal que hacía lucir todo fragmentado. Y, como en todo proceso, la intuición y el azar guiaron el camino. A veces hay que trasladarse grandes distancias para encontrar el propio reflejo en otras aguas. Sin saberlo en ese momento, llegó este viaje de reencuentro conmigo mismo. Pensaba: ¿Cómo hacer para moverse en un mundo tan ajeno? ¿Cómo sanar y pegar los pedazos que han quedado después de una fractura?

Comencé a recorrer Tokio, Kioto, Kanazawa, Hiroshima y Naoshima con cámara en mano. Viajé por tierra y mar capturando cientos de imágenes y fragmentos de vida que me hicieron recordar la belleza que hay en el acontecer del día a día. Mientras registraba todo aquello que capturaba mi atención, una frase resonaba siempre en mi cabeza y daba un nuevo sentido a lo que miraba: “Things we do for love” (Cosas que hacemos por amor).

De vuelta en México, otras tierras y otros mares se hicieron presentes; con esas aguas llegaba una nueva promesa de vida. Tenía un archivo visual de dos países y culturas tan ajenas entre sí que, sin saber por qué, parecía estar diciendo algo. Quería encontrar una manera de pegar esos fragmentos de vida para transformarlos en un todo que, a su vez, no ocultara las fracturas de su historia. Encontré en el Kintsugi (una filosofía japonesa que repara los objetos rotos y los embellece al pegar los fragmentos con polvo de oro) la metáfora perfecta para entender la edición de video como el aglutinante afectivo que fuera capaz de entrelazar las imágenes que parecían inconexas; algo que sólo pude haber realizado de la mano de mi gran amiga, editora y cineasta Martha Uc.

En Things We Do for Love lo que antes eran heridas ahora son líneas de luz que evidencian la compleja diversidad de momentos vividos en una misma historia. Decidí no acompañar las imágenes de su sonido real, sino experimentar con la abstracción emotiva y sugerente de la música electrónica. Ahí apareció mi amigo y músico Roderic; la potencia de su música fue para mí la perfecta luz que recuperó lo vivido y un potente soporte emocional con el que se entretejió la colección de momentos filmados. El cello en la composición musical fue también resultado del instinto: la interpretación de Natalia Pérez-Turner aportó una gran profundidad afectiva a la obra.

Más tarde, después de contemplar un crisantemo que filmé sobre el suelo de un cementerio, y que cayó tras un tifón en Tokio, surgió la idea de hacer una escultura que recuperara la fuerza y el movimiento del agua y el mar, dos elementos recurrentes en gran parte del video. Llegó una nueva frase a mi cabeza: “la escultura debía surgir del suelo, así como Afrodita surgió de las aguas”. Coincidentemente, los colores implicados en el mitológico nacimiento de la diosa del amor y el erotismo empataron con los colores nacionales de Japón. En este camino, el escultor Óscar Garduño y la ceramista Carmen de la Parra me apoyaron para crear la obra escultórica en el taller Cerámica Suro en Guadalajara.

Al final de este viaje apareció el escritor cubano Reinaldo Arenas. La literatura siempre llega así, intempestiva, inesperada, contundente, necesaria… Una nueva intuición llegó para dar vida a su texto en las voces Louise Phelan y Francisco López-Guerra, a quien dedico esta obra.

Así como el espacio forma un todo con los pétalos del crisantemo sobre el suelo de la sala, la edición del video permitió pegar las imágenes fragmentarias de mi experiencia, lo que resultó en una sorpresiva e inesperada oda a la vida que me enseñó que, más allá de las experiencias personales, lo que incansablemente impera es la implacable fuerza de la naturaleza.

–Erick Meyenberg

*Residencia para artistas Casa NaNo en Tokio, Japón, auspiciada por Fundación Casa Wabi.

ERICK MEYENBERG (CDMX, 1980)

Es un artista visual interdisciplinario que ve la pintura como elemento fundamental de expresión, aunque también explora otros medios como la instalación sonora, la escultura, el dibujo, el collage, el video y el performance. Su trabajo es el resultado de una profunda investigación sobre temas como la literatura, la historia, las ciencias sociales y las ciencias naturales. Para Meyenberg el arte es una herramienta que ayuda a desenterrar ese cúmulo de capas históricas que quedan olvidadas, haciendo que todos los elementos se pongan en juego para llegar a un ‘todo estético’. Considera fundamental el proceso de edición en su trabajo. Es ahí en donde explora el potencial estético de las imágenes, donde juega con las posibilidades que estas brindan, sus relaciones, y que a través de observaciones precisas, descubre nuevos significados, nuevas ideas.

Meyenberg es egresado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. Tiene una maestría en Artes Visuales por la Universidad de las Artes, Berlín, Alemania (UdK, Berlín) donde estudió bajo la tutoría de la artista alemana Rebecca Horn. Su obra forma parte de algunas colecciones públicas como la del MUAC de la UNAM, Museo Amparo, el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), la Fundación Telefónica, Museo Tamayo Arte Contemporáneo (México) y la Fundación Benetton, (Italia). Ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales a nivel nacional e internacional.

Actualmente, forma parte del Sistema Nacional de Creadores. Meyenberg vive y trabaja en la Ciudad de México.

erickmeyenberg.com

RODERIC (Monterrey)

Roderic es el seudónimo del músico Rodrigo Ortiz. Su música no responde a un género en específico, sino que busca los arreglos poéticos de emociones que son influenciadas por el jazz, el blues, el balcánico, el psicodélico, el africano, el latino y el trance. Su primer álbum fue Perfect Mirror (2016) y le precedió It All Depends (2018).

Martha Uc (México)

Es editora, fotográfa, productora y cineasta. Entre sus producciones y trabajos en edición se encuentran Nos hicieron noche (2021), Sanjuaneros (2020), Ayotzinapa. El paso de la tortuga (2018), The Guy from Oklahoma (2016), Los otros mexicanos (2015), El patio de mi casa (2015), entre otros. Dirigió Estela (2011) y estuvo a cargo de la cinematografía de Bajo Tortura (2013) y Estela (2011).

Natalia Pérez Turner

Cellista e improvisadora. Miembro de la Generación Espontánea, el Trío Filera y del Ensamble Liminar. Divide su tiempo entre la música contemporánea, la improvisación y la colaboración con artistas de otras disciplinas: danza, artes visuales, teatro, performance, literatura y espectáculos infantiles. Fue becaria del Fonca durante el período 2005-06 (intérprete ) con el proyecto “La cellista es una instalación” que proponía recitales de música contemporánea para cello solo en museos y galerías. Ha compuesto música para cortometrajes, videoarte, teatro y danza.

Things We Do for Love
Martes a domingo
12 – 19 h.
Cuota de recuperación: $35 pesos

NO SOUND OF WATER

12.11.2021 – 15.05.2022

ESPACIO ABIERTO

TROIKA. NO SOUND OF WATER

12.11.2021 – 15.05.2022

No Sound of Water es una instalación inmersiva y de gran formato que lleva al espectador a una realidad aislada y llena de sal. Al estar dentro, se puede sentir una atmósfera que te transporta a un lugar que podría existir en el futuro. Con esta instalación que simula un ecosistema ficticio, el colectivo busca reflexionar sobre el futuro de la Tierra y su transformación en lugar inhóspito por efecto de la actividad humana.

Por más de dos décadas, el colectivo de arte Troika, formado en 2003 por Eva Rucki (Alemania, 1976), Conny Freyer (Alemania, 1976) y Sebastian Noel (Francia, 1977), ha buscado desafiar nuestra percepción del mundo y su eventual destrucción. Para la exposición No Sound of Water, presenta dos obras que en conjunto forman un paisaje hostil y desolado que, si bien podría pensarse como parte de un ecosistema ficticio, podría convertirse en realidad por efecto de las diversas acciones humanas destructivas. Lejos de enunciar un discurso o moraleja ecologista, la exposición se centra en las problemáticas provocadas por los avances tecnológicos, capitalistas e industriales y el impacto que tienen a tal grado de provocar una nueva era geológica (el Antropoceno) y la eventual descomposición de la Tierra.

No Sound of Water parte de un proyecto artístico y de investigación que Troika ha desarrollado a lo largo de diez años: Untertage (que por su traducción del alemán significa “debajo de la tierra” o, literalmente, “debajo del día”), que pone a la sal como agente de la evolución cultural, es decir, como el componente clave de las herramientas sin las cuales la civilización humana no sería lo que es ahora. Así, la sal se convierte también en la protagonista del drama que es la dominación mundial.

La instalación No Sound of Water está conformada por una máquina de procesamiento industrial que hace referencia a las tecnologías extractivistas. A través de un canal superior, la estructura funciona como una cascada de sal en movimiento constante, como si se tratara de un reloj de arena infinito, hasta el punto de convertirse en incontrolable: la sal se derrama a través de la sala, se acumulan en las grietas del suelo o incluso en los dobleces de los pantalones de los visitantes. Con la sal como elemento central, la pieza propone una lectura alternativa en la que este mineral no solo es un elemento de extinción humana y natural, sino la responsable de crear una época basada en la inteligencia no-orgánica y la biología sintética. El mismo título de la pieza hace alusión a la ausencia total de un elemento clave y orgánico como es el agua.

Por su parte, el video Terminal Beach se desarrolla en medio de un territorio desolado y empobrecido en donde lo único que se puede ver es el último árbol sobre la faz de la tierra y un brazo robótico que constantemente golpea con un hacha el tronco del árbol. La extreñeza de la atmósfera se refuerza con un fondo acústico compuesto por sonidos de rayos, vientos solares y tormentas geomagnéticas, capturadas como ondas de radio por el British Antartic Survey. La métafora del video es contundente: estamos destruyendo el mundo que nos sostiene y cada avance de la tecnología, el capitalismo y la industria es también un paso hacia la extinción.

< Arte Abierto > presenta Troika, con la exposición No Sound of Water la cual se encontrará en exhibición y abierta al público en Espacio Arte Abierto ubicado en el piso 2 del complejo arquitectónico de ARTZ Pedregal del 12 de noviembre, 2021 al 15 de mayo, 2022 de martes a domingo de 12:00 a 7:00 pm.

LUZ INSTANTE

06.26.2021 – 09.19.2021

ESPACIO ABIERTO

JULIA CARRILLO. LUZ INSTANTE

06.26.2021 – 09.19.2021

Luz instante es un recorrido a través de una serie de artefactos ópticos que crean un continuo sensorial. Cada pieza vincula luz, espacio y tiempo, a la vez que nos anima a experimentar con nuestros cuerpos. Es una invitación a que cada participante se adueñe y habite las obras desde un lugar propio. El visitante creará espacio y activará de inmediato las obras, porque cuando entramos a un espacio el espacio entra en nosotros y la experiencia se convierte en un intercambio, en una fusión entre sujeto y objeto, el aquí y ahora lumínico constituido por los encuentros espaciales.

Este recorrido a través de la luz inicia con una obra en exterior cuyas proyecciones se activan con la luz solar, de manera que sus efectos son temporales, intermitentes, aleatorios. El trayecto cambia de sentido hacia el interior de la sala, aparece una luz controlada que deviene elemento sustancial de los artefactos ópticos. Los artefactos surgen de fenómenos que ocurren en la naturaleza, de situaciones cotidianas que sí alcanzamos a ver pero no siempre a observar. En la sala, estos artefactos se convierten en extensiones protésicas del cuerpo humano y nos llevan a dimensionar espacios que parecieran inusitados, pero que ahí están, en nuestro día a día. Son dispositivos que fusionan el objeto con el sujeto, la materialidad de las superficies especulares con la introspección, con impresiones emotivas y, también, con la curiosidad. Los artefactos se transforman durante el recorrido, acotan la interacción o la abren hasta contenernos, dosifican la implicación sensorial, primero el ojo y luego el cuerpo, como si fuéramos activando progresivamente nuestras capacidades perceptivas.

De sus experimentos con el espacio surgen las esculturas virtuales, figuraciones geométricas e ilusoriamente tridimensionales que se descubren en el interior de sus caleidoscopios. ‘Esculturas de luz’ les llama Julia, porque la luz es justamente la materia de estas piezas. Las obras de esta muestra juegan con la percepción del espectador dentro de diferentes espacios, provocando situaciones de inmersión que lo llevan a un momento único de descubrimiento.

Con la exposición Luz instante Julia Carrillo traslada una parte de su laboratorio de experimentación en el que ha trabajado desde hace varios años a Espacio Arte Abierto. Luz instante es el resultado de sus estudios sobre la luz, sobre cómo crea espacio, cómo nos deja percibir lo que habitamos y, a su vez, cómo nos permite reconocer momentos o distinguir ciertas atmósferas.

PARA EVITAR FILAS, ADQUIERE TU ENTRADA EN: registroarteabierto.org

< Arte Abierto > presenta Julia Carrillo, Luz instante la cual se encontrará en exhibición y abierta al público en Espacio Arte Abierto en el piso 2 del complejo arquitectónico de ARTZ Pedregal del 26 de junio al 19 de septiembre, 2021.

JULIA CARRILLO

Julia Carrillo (México, 1987) estudió Matemáticas en la Universidad Nacional Autónoma de México y cursó una Maestría en Artes Visuales en la Academia de San Carlos, posteriormente realizó estudios en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York (SVA). Relaciona su práctica artística con nociones derivadas de las matemáticas y la física para construir un acercamiento a los fenómenos naturales, como la transformación del espacio, los movimientos de la luz, los viajes del sonido y la dinámica de las fuerzas fluidas.

Entre sus exposiciones individuales se encuentran La luce e la sua assenza en A Pick Gallery (Italia, 2021); Estrofas de agua en Centro Cultural Bucareli 69 (México, 2019) y Geometrías de la Luz en el Centro de Ciencias de la Complejidad (C3), UNAM (México, 2017). También ha participado en muestras colectivas en México y en el extranjero. Es beneficiaria del del programa Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) y del Programa ACT (Arte, Ciencia y Tecnología) de la Secretaría de Cultura / UNAM, por mencionar algunos. Ha participado como artista invitada en la residencia del Programa de Residencias Artísticas Laboratorio Arte A. C. del Tecnológico de Monterrey, México (2020); MMCA Programa de residencia internacional para artistas del Museo Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo, Seúl, Corea (2019) y Flux Factory de Nueva York, EUA, (2014) entre otros. Recientemente fue artista seleccionada para la residencia Art OMI (2020, ahora programada para 2022).

Actualmente es investigadora del C3 (Centro de Ciencias de la Complejidad, UNAM).

Para conocer más sobre el trabajo de Julia Carrillo visita juliacarrillo.mx/

LATIDOS

“El hecho de que los latidos del corazón se utilicen ampliamente como representación poética de la vida y el amor se debe en parte a esta facilidad de traducción y al reconocimiento universal del sonido rítmico que escuchamos por primera vez en el útero, el corazón de nuestra madre, que luego es acompañado y reemplazado por el nuestro propio.”

– Rafael Lozano-Hemmer

Latidos fue la tercera exposición monográfica sobre la obra biométrica del artista mexicano Rafael Lozano-Hemmer, después de las presentadas en Beall Center de Los Ángeles en 2010 y el Hirshhorn Museum de Washington en 2018.

Incorporando cuatro instalaciones que utilizan sensores de frecuencia cardiaca para impulsar respuestas cinéticas y audiovisuales, la exposición subvierte las tecnologías de identificación y determinación para crear experiencias conectivas en una escala arquitectónica. En Latidos, los signos vitales del público se tomaron para ser registrados como secuencias repetitivas que se visualizan como luces intermitentes, paisajes sonoros panorámicos, ondas en tanques, retroalimentación háptica y huellas digitales animadas.

En el núcleo de cada obra, un sensor detecta la firma biométrica de cada participante. Este “retrato” o “instantánea” de la actividad eléctrica íntima del visitante luego se agrega a un archivo en vivo con otras grabaciones, creando un paisaje de audiovisuales sincopados que representan un vasto grupo de participantes, entregando los datos del individuo a un campo de lecturas colectivas. La aparición de patrones complejos no lineales de sincopación, sincronicidad y resonancia es evidente en todos los proyectos, y recuerda la música minimalista de Conlon Nancarrow, Glenn Branca o Steve Reich, por ejemplo, donde los patrones repetitivos ligeramente desfasados entre sí crean un fenómeno auditivo más complejo.

La nueva instalación de telepresencia Corazonadas Remotas, encargada por < Arte Abierto >, no registra los latidos del corazón, sino que los transmite a través de la red entre dos estaciones interactivas idénticas donde un participante puede sentir el latido del otro, y viceversa.

Originalmente esta pieza se presentó como parte de la instalación de Lozano-Hemmer Sintonizador Fronterizo, realizada en la frontera de Estados Unidos y México, con una estación en Ciudad Juárez, Chihuahua y la otra en El Paso, Texas. Para esta exposición, inicialmente se interconectaron estaciones entre < Arte Abierto > y el Museo Amparo de Puebla.

RAFAEL LOZANO-HEMMER (CDMX, 1967)

Su trabajo se ha enfocado en el desarrollo de instalaciones interactivas que se encuentran en la intersección de la arquitectura y el performance. Su principal interés es crear plataformas para la participación pública, utilizando a la tecnología como un lenguaje de nuestro tiempo, como un vehículo inevitable pero cuestionable.

Lozano-Hemmer fue el primer artista en representar oficialmente a México en la 52ª Bienal de Venecia con Algunas cosas pasan más veces que todo el tiempo. Ha tenido exposiciones individuales en el Museo de Arte Moderno de San Francisco, el Museo Universitario Arte Contemporáneo en la Ciudad de México y el Museo de Arte Contemporáneo en Sydney, entre otros. También ha participado en distintas Bienales y Trienales de arte como la de La Habana, Estambul, Kochi, Liverpool, Montreal, Moscú, Nueva Orleans, Sevilla, Seúl, Shanghái, Singapur y Sydney. Su obra forma parte de las colecciones más importantes a nivel internacional ,entre ellas al MoMA (Nueva York), Tate (Londres), AGO (Toronto), Jumex (CDMX), DAROS (Zurich), Borusan Contemporary (Estambul), MUAC (CDMX), Museo de Arte Contemporáneo 21C (Kanazawa), MAC (Montreal) y el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden (Washington, DC).

Vive y trabaja en Montreal, Canadá.

lozano-hemmer.com/

MNEMOSYNE

29.11.2019 – 29.03.2020

Mnemosyne es un ejercicio en torno a la investigación lumínica de Paolo Montiel Coppa.

<Arte Abierto> presentó por primera vez Mnemosyne de Paolo Montiel Coppa, una instalación de gran escala en la que el público podía acceder en su interior para apreciar juegos visuales y sonoros. Presentado como un caleidoscopio gigante transitable, se ofrecía a los espectadores una experiencia inmersiva, generada por uno de los principios más sencillos de la óptica: la reflexión de la luz.

Formada a base de estructuras de acero inoxidable con acabado de espejo e iluminación LED, la instalación se acompañaba de un sistema de audio y video-proyección con el que se formaba un caleidoscopio triangular de 15m de largo por 4m de alto. Al caminar a través de ella, los reflejos infinitos de luz descubrían miles de formas geométricas combinadas con colores cambiantes que se mezclaban, dando la impresión de flotar en el espacio.

La finalidad fue crear un espacio físico alimentado con juegos de luz, que permitiera activar la memoria del público para conectar con su creatividad y evocar en ellos diferentes emociones que propiciaran un momento contemplativo-emocional-meditativo.

Mnemosyne fue fabricado por Metalglez.

PAOLO MONTIEL COPPA aka TANSEN (Cuernavaca, 1977)

Es físico por la la Universidad Autónoma del Estado de Morelos (UAEM) y cuenta con estudios de Toería del Arte en el Centro Morelense de las Artes e Historia del Arte en la Universidad La Salle. Su investigación se enfoca en las propiedades del color, en cómo es percibido por el cuerpo humano y cómo su reflejo en la memoria se da a través de la luz. Tansen ha desarrollado instalaciones lumínicas en el Pabellón de México en la Expo Milán 2015, Noches de Kukulkán en las pirámides de Chichén Itzá y las piezas White Canvas, Cycles y Outside, esta última presentada en el festival Day for Night en Houston, Texas. Asimismo, trabajando en la dirección técnica con artistas como Kurt Hentschlager con ZEE (Ars Electrónica, México 2010) AntiVJ con The Ark (Festival Proyecta Oaxaca) y James Turrell con Pasajes de Luz (Museo Jumex, 2019), Encounter (Jardín Botánico de Culiacán, 2015),  Agua de Luz (en la selva de Yucatán, 2012), Árbol de Luz (Hacienda San Pedro Ochil, Yucatán, 2011).

paolomontiel.com/

ILLEGAL ART

09.14.2019 – 11.30.2019

En septiembre de 2019 el colectivo neoyorquino Illegal Art presentó por primera vez en México cuatro proyectos en Artz Pedregal: Last Word, Suggestion Box, What Color Are You? y la instalación comisionada por <Arte Abierto>, Measure Up.  Cada una propició la participación del público, como una experiencia creativa-colectiva.

THE LAST WORD

Siempre hay cosas que no se dicen, que nos guardamos y permanecen en nuestro interior. La instalación puede ser el final perfecto para una conversación con un desconocido, una respuesta inteligente en un debate en el trabajo, una despedida a un ser querido y, sobre todo, un espacio de oportunidades para tener la última palabra que hemos perdido.

The Last Word brinda un momento íntimo para recuperar lo que nunca se dijo. El público puede escribir en un papel su “última palabra”, para después enrollarlo y colocarlo en pequeñas cavidades de un muro de cartón que remiten a la forma de un panal.

Los papeles enrollados en los que se plasmaron pensamientos y emociones, pueden ser leídos por las otras personas que decidan participar, accediendo así a un repertorio de ideas y reflexiones variadas.

Todos son libres de formar parte o limitarse únicamente a leer lo plasmado por los demás y a hacer reflexiones en colectivo. Las palabras respetan la individualidad, pero revelan que la experiencia es mayor cuando la participación es colectiva. La obra crece con la contribución del público. Quizá con estos ejercicios podamos acercarnos a entender conceptos como la felicidad, la tristeza, los deseos y aprovechar el momento de autoreflexión que ofrece el arte.

The Last Word se activó del 14 de septiembre al 12 de octubre, 2019 se mantuvo expuesta hasta el 9 de noviembre del mismo año en Artz Pedregal.

SUGGESTION BOX

Para esta acción se le pidió a personas en diferentes puntos de la Ciudad de México que en una hoja anotaran una sugerencia, idea o pensamiento de cualquier tipo, y la depositaran en una pequeña rendija incluida en una caja de cartón transportable. Una vez que las cajas se llenaron de sugerencias, éstas fueron compiladas y publicadas en las redes sociales de <Arte Abierto> como pensamientos anónimos.

Suggestion Box ha viajado a tres continentes y ha sido activada por individuos y grupos en comunidades locales, recolectando las ideas de decenas de miles de personas en numerosos idiomas. En 2005, Chronicle Books publicó una recopilación de sugerencias realizadas en Nueva York bajo el título Suggestion.

Suggestion Box se activó del 20 de septiembre al 12 de octubre en varios puntos de la CDMX y las cajas fueron abiertas con Otis Kriegel, co-fundador de Illegal Art, en Espacio Arte Abierto.

WHAT COLOR ARE YOU?

En esta activación, a cada participante se le invitó a pintar en un papel en blanco de 3 x 3 pulgadas (7.62 x 7.62 cm), el color que sentían que los representaba de manera esencial como personas. Posteriormente, se les pidió que lo colocaran en un panel cuadriculado, uno junto al otro. El resultado fue un mosaico repleto de diferenes tonalidades, representando a cientos de personas relacionadas por un espacio físico.

Se invitó al público a participar en la activación What Color Are You? del 5 de octubre al 9 de noviembre. La pieza se mantuvo expuesta hasta el 29 de noviembre, 2019 en Artz Pedregal.

MEASURE UP

En un momento u otro, todos hemos admirado a figuras públicas, desde estrellas de cine y atletas, hasta activistas, exploradores, científicos y artistas. Gigantes en sus campos, han adornado revistas y pantallas para ser más grandes que la vida dentro de nuestras mentes. Pero, ¿qué tan grandes son en la vida real?, ¿estamos a la altura de ellos?

Measure Up es un proyecto comisionado por <Arte Abierto>, que juega con el indicador de crecimiento internacional de la infancia: el marco de la puerta del hogar marcado con centímetros. A lo largo de un sendero al aire libre se colocaron estructuras de madera, simulando estos marcos, cada uno indicando la altura y los nombres de personalidades conocidas de la cultura, cienca o historia, a las que admiramos o aspiramos a parecernos.

La intención fue poner las cosas en perspectiva y que, a través de su altura, cada participante pudiera identificarse y crear un vínculo con estos personaje.

Measure Up se activó en Artz Pedregal el 12 de octubre al 30 de noviembre, 2019.

ILLEGAL ART

El colectivo Illegal Art fue fundado en 2001 por los artistas Otis Kriegel y Michael McDevitt en Nueva York. Su objetivo es crear arte público participativo que inspire la autorreflexión, el pensamiento y la conexión humana. Cada pieza se presenta o distribuye de tal forma que la participación es sencilla y motivada. Sus proyectos han sido expuestos en países como Estados Unidos, Inglaterra, España, Italia, China, Nueva Zelanda, entre otros.

illegalart.org/

@illegalart2001.

SUBMERGENCE

17.07.2019 – 29.09.2019

La instalación transitable del colectivo Squidsoup consistió en la colocación de 5,200 puntos de luz suspendidos en el espacio a través de cuerdas delgadas y verticales, que respondían a la presencia del espectador, creando una sensación de movimiento y una experiencia de inmersión.

Submergence transformó el espacio de <Arte Abierto> en un ambiente híbrido, en elque los mundos virtual y físico coincidieron. La obra se activaba a través de un juego lumínico y cromático en correspondencia con el sonido. Esta sensación dinámica lograba crear una narrativa abstracta, que iba en aumento hasta llegar a un clímax final. El público que se adentraba en la pieza tenía la oportunidad de tener una experiencia lúminica, auditiva y espacial.

 Submergence es un proyecto de Squidsoup, realizado por Anthony Rowe, Gaz Bushell, Liam Birtles, Ollie Bown y Chris Bennewith. Ha sido presentada en más de 40 espacios y eventos alrededor del mundo.

SQUIDSOUP

Es un grupo internacional de artistas, investigadores, tecnólogos y diseñadores con sede en el Reino Unido, que trabaja con experiencias en medios digitales e interactivos. Sus proyectos combinan espacios digitales físicos y dinámicos con formas de interacción novedosas e intuitivas, con el fin de producir experiencias inmersivas, receptivas y cautivadoras.

Han expuesto en múltiples eventos y sedes alrededor del mundo, como: la Catedral de Salisbury,  Sydney Opera House, Usina del Arte en Argentina, Visual Art Week de México, Burning Man en Estados Unidos, el Festival Glastonbury, la TATE Britain, entre otros.

El trabajo de Squidsoup se puede experimentar en línea en squidsoup.org y en espacios compartidos, instalaciones físicas y virtuales, en juegos y herramientas de software.

Submergence estuvo abierta a todo público del 7 de julio al 29 de septiembre, 2019 en Artz Pedregal, planta baja.

WHITE CANVAS

30.11.2018 – 30.01.2019

Con una sofisticada programación de más de 300 luces y un diseño de audio envolvente con piezas musicales originales, la instalación White Canvas logró que convergieran el arte y la tecnología en un mismo espacio. La intención fue crear una experiencia inmersiva de luz y sonido que llevara a las personas en un viaje a través de los sentido, estimulando su imaginación y potenciando su creatividad.

Presentado en múltiples ciudades, este proyecto es uno de los más originales y exitosos de Cocolab, que ha inspirado a personas dentro y fuera de México para explorar nuevos paradigmas de creación a partir de la colaboración y el desarrollo de ideas.

COCOLAB

Es un colectivo que busca crear experiencias que inspiren de forma positiva, al combinar creativamente arte, tecnología y entretenimiento. Cada proyecto integra diversos recursos, como video, audio, tecnologías interactivas, efectos especiales, iluminación, escenografía, diseño industrial, contenido, programación y show control. El desarrollo de experiencias innovadoras parte de la colaboración con creadores, talentos y expertos de campos muy distintos, que los enriquece de manera muy particular.

Si quieres conocer más sobre Cocolab visita: cocolab.mx

< Arte Abierto > abrió al público White Canvas de Cocolab del 30 de noviembre, 2018 al 30 de enero, 2019 en la planta baja de Artz Pedregal.