septiembre 2021
L M X J V S D
« Jul   Oct »
 12345
6789101112
13141516171819
20212223242526
27282930  

septiembre 2021

26 sep

Posted at 03:37h in Alianzas

LA COLECCIÓN JUMEX

UGO RONDINONE (Suiza, 1964)
LOVE INVENT US, 1999

Letrero de neón, acrílico, lámina translúcida, acero

En las propuestas artísticas de Ugo Rondinone utiliza «símbolos muy básicos, algo con lo que todos pueden relacionarse, desde un niño a una persona mayor, de oriente a occidente». El énfasis de estas obras está en crear una experiencia, en lugar de una conceptualización o de su comprensión.

El arco iris es uno de los motivos más comunes en el trabajo de Rondinone. A partir de 1997, comenzó a producir letreros de gran formato con frases sencillas y poéticas. Estas estructuras metálicas compuestas de grandes palabras iluminadas, parecen flotar en el aire y siguen la forma y los colores del arco iris. La obra busca ser algo hermoso y fantástico; el arco iris es un símbolo que también se encuentra relacionado con las comunidades LGBT y por lo tanto, esta pieza se refiere a la libertad de amar a quien uno quiere.

Para Rondinone, este símbolo es especialmente importante ya que nos recuerda su larga relación con el afamado escritor, poeta y también artista neoyorquino John Giorno.

www.fundacionjumex.org

26 sep

Posted at 03:36h in Alianzas

LA COLECCIÓN JUMEX

DAN GRAHAM (Estados Unidos, 1942)
GROOVY SPIRAL, 2013

Espejo de dos vistas, acero inoxidable

“Mis pabellones son siempre una especie de espejo bi-direccional; transparente y reflejante a la vez, y cambia a medida que se modifica la luz del sol. Esto se relaciona con el paisaje cambiante, pero también significa que las personas en el interior y en el exterior tienen vistas superpuestas, ya que cada una mira al otro y al material. Es intersubjetivo.”

Dan Graham

Los pabellones de Dan Graham están a medio camino entre el diseño, el arte y la arquitectura funcional. Son creados para generar experiencias tangibles con el público. Estas obras juegan con la óptica y pueden llegar a desorientar al espectador, buscando cuestionar la percepción cotidiana de los espacios.

www.fundacionjumex.org

26 sep

Posted at 02:59h in Colección

DANIEL BUREN

DANIEL BUREN (France, 1938)
DE LA ROTONDA DE LA FUENTE. CINCO COLORES PARA MÉXICO, 2018

Trabajo in situ. Homenaje al Arquitecto Manuel Tolsá

Mármol, cancelería y cristales de colores

La obra de Daniel Buren gira en torno a la abstracción de la forma a través de la línea y el color; su propuesta se enmarca en el territorio de lo arquitectónico y lo urbano. Con sus obras de sitio específico acentúa aspectos de los edificios, de los espacios que interviene y en consecuencia también incide en el paisaje. Sus composiciones en última instancia abordan la relación entre el ser humano y su entorno físico.

La pieza que aquí vemos, fue pensada y producida para la fuente central del complejo ARTZ Pedregal, en ella, el artista creó un diálogo con el espacio y el entorno, a través de la combinación de materiales simples, figuras geométricas y colores sólidos que conviven con el agua y la luz natural.

Daniel Buren (Francia, 1938) ha trabajado por más de cinco décadas en la intersección entre arte, arquitectura y espacio. En los 60 desarrolló la idea del “grado cero de la pintura”, como el mismo lo llamó, para jugar con los materiales y su relación con el medio y la estructura que dan forma a la obra de arte. Sus proyectos de intervención son totalmente pensados y creados en el sitio que se establecen, tomando en cuenta el contexto que los alberga y una paleta de colores que permita detonar sentidos y dinamismos entre la obra y el espacio. Estas piezas buscan ser una herramienta para cuestionar cómo miramos y percibimos, así como la forma en que el espacio es usado y apropiado. El trabajo de Buren se ha presentado en museos, espacios públicos e instituciones de arte de Alemania, Bélgica, Estados Unidos, España, Francia, Italia y México, por mencionar algunos.

26 sep

Posted at 02:58h in Colección

AI WEIWEI

AI WEIWEI (China, 1957)
FOREVER, 2013

Acero inoxidable

Forever es la marca de bicicletas más popular en China, producida masivamente en Shanghai desde 1940.

La escultura hace un despliegue en serie de la bicicleta exhibiendo tortuosamente su forma reiterada. Sugiere una reflexión sobre el individuo en la sociedad China, donde poco a poco el crecimiento de las metrópolis ha optado por otros medios de transporte que la han sustituido. Hoy, el urbanismo de la metrópoli china contemporánea ha dejado marginada y disminuida tanto su utilidad como su estatus social.

Por otra parte, no se puede dejar de ver su referencia a los ready mades u objetos encontrados de principios del siglo XX, que tienen a la bicicleta como una de sus figuras más reconocibles.

Ai Weiwei (China, 1957) es uno de los artistas y figuras culturales líderes de su generación, tanto por su producción artística como por su activismo político. Su trabajo surge a partir de una vinculación entre la investigación social y los modos de creación, los cuales determinan las formas de representación y aparición de su arte. A través de esculturas, fotografías, performances, instalaciones y objetos, cuya manufactura mezcla el trabajo artesanal y conceptual, explora la existencia humana a partir de su relación con las fuerzas económicas, políticas, naturales y sociales. Su trabajo se ha presentado en museos, espacios públicos e instituciones de arte de Alemania, Austria, Brasil, Estados Unidos, Finlandia Francia, Inglaterra, Israel, México, Portugal y Turquía, entre otros.

26 sep

Posted at 02:57h in Colección

TANIA CANDIANI

TANIA CANDIANI (México, 1974)
KIOSKO SONORO, 2018

Estructura de acero, trompetas, tubos, bases de concreto

Para crear esta pieza interactiva, la artista partió de la idea de un kiosco tradicional y el papel social y cultural que este juega en la plaza pública.

La escultura sonora reflexiona sobre la carga histórica contenida en ese tipo de construcciones a través de su estructura, conformada por una retícula de trompetas, conectadas a través de mangueras rígidas a un punto de transmisión único, que permite ser activado por el público. La pieza así adquiere nuevas atribuciones al integrar una experiencia personal directa en el entorno de lo público.

Tania Candiani (México, 1974) es una artista multidisciplinaria que trabaja en la intersección entre el arte, la literatura, el diseño, la música, la arquitectura, la ciencia y la tecnología. Sus proyectos juegan y se aproximan a las diferentes narrativas que se pueden generar, traducir o explorar dentro los diferentes sistemas simbólicos y de comunicación que utilizamos cotidianamente, como los lenguajes fonéticos, gráficos, lingüíticos y tecnológicos. Así, sus obras, ya sean performances, instalaciones, objetos, esculturas, acciones, buscan reflexionar sobre las diferentes formas en que nos relacionamos como seres sociales y culturales. Candiani es becaria del Sistema Nacional de Creadores de Arte de México desde 2012 y representó a México en la 56ª Bienal de Venecia. Su trabajo se ha presentado en museos, espacios públicos e instituciones de arte de Colombia, Cuba, Estados Unidos, Italia, Lituania, México, Polonia, Reino Unido y Rusia entre otros.

Arte Abierto