julio 2021
L M X J V S D
« May   Sep »
 1234
567891011
12131415161718
19202122232425
262728293031  

julio 2021

13 jul

Posted at 12:59h in Espacio Abierto

LUZ INSTANTE

06.26.2021 – 09.19.2021

ESPACIO ABIERTO

JULIA CARRILLO. LUZ INSTANTE

06.26.2021 – 09.19.2021

Luz instante es un recorrido a través de una serie de artefactos ópticos que crean un continuo sensorial. Cada pieza vincula luz, espacio y tiempo, a la vez que nos anima a experimentar con nuestros cuerpos. Es una invitación a que cada participante se adueñe y habite las obras desde un lugar propio. El visitante creará espacio y activará de inmediato las obras, porque cuando entramos a un espacio el espacio entra en nosotros y la experiencia se convierte en un intercambio, en una fusión entre sujeto y objeto, el aquí y ahora lumínico constituido por los encuentros espaciales.

Este recorrido a través de la luz inicia con una obra en exterior cuyas proyecciones se activan con la luz solar, de manera que sus efectos son temporales, intermitentes, aleatorios. El trayecto cambia de sentido hacia el interior de la sala, aparece una luz controlada que deviene elemento sustancial de los artefactos ópticos. Los artefactos surgen de fenómenos que ocurren en la naturaleza, de situaciones cotidianas que sí alcanzamos a ver pero no siempre a observar. En la sala, estos artefactos se convierten en extensiones protésicas del cuerpo humano y nos llevan a dimensionar espacios que parecieran inusitados, pero que ahí están, en nuestro día a día. Son dispositivos que fusionan el objeto con el sujeto, la materialidad de las superficies especulares con la introspección, con impresiones emotivas y, también, con la curiosidad. Los artefactos se transforman durante el recorrido, acotan la interacción o la abren hasta contenernos, dosifican la implicación sensorial, primero el ojo y luego el cuerpo, como si fuéramos activando progresivamente nuestras capacidades perceptivas.

De sus experimentos con el espacio surgen las esculturas virtuales, figuraciones geométricas e ilusoriamente tridimensionales que se descubren en el interior de sus caleidoscopios. ‘Esculturas de luz’ les llama Julia, porque la luz es justamente la materia de estas piezas. Las obras de esta muestra juegan con la percepción del espectador dentro de diferentes espacios, provocando situaciones de inmersión que lo llevan a un momento único de descubrimiento.

Con la exposición Luz instante Julia Carrillo traslada una parte de su laboratorio de experimentación en el que ha trabajado desde hace varios años a Espacio Arte Abierto. Luz instante es el resultado de sus estudios sobre la luz, sobre cómo crea espacio, cómo nos deja percibir lo que habitamos y, a su vez, cómo nos permite reconocer momentos o distinguir ciertas atmósferas.

PARA EVITAR FILAS, ADQUIERE TU ENTRADA EN: registroarteabierto.org

< Arte Abierto > presenta Julia Carrillo, Luz instante la cual se encontrará en exhibición y abierta al público en Espacio Arte Abierto en el piso 2 del complejo arquitectónico de ARTZ Pedregal del 26 de junio al 19 de septiembre, 2021.

JULIA CARRILLO

Julia Carrillo (México, 1987) estudió Matemáticas en la Universidad Nacional Autónoma de México y cursó una Maestría en Artes Visuales en la Academia de San Carlos, posteriormente realizó estudios en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York (SVA). Relaciona su práctica artística con nociones derivadas de las matemáticas y la física para construir un acercamiento a los fenómenos naturales, como la transformación del espacio, los movimientos de la luz, los viajes del sonido y la dinámica de las fuerzas fluidas.

Entre sus exposiciones individuales se encuentran La luce e la sua assenza en A Pick Gallery (Italia, 2021); Estrofas de agua en Centro Cultural Bucareli 69 (México, 2019) y Geometrías de la Luz en el Centro de Ciencias de la Complejidad (C3), UNAM (México, 2017). También ha participado en muestras colectivas en México y en el extranjero. Es beneficiaria del del programa Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) y del Programa ACT (Arte, Ciencia y Tecnología) de la Secretaría de Cultura / UNAM, por mencionar algunos. Ha participado como artista invitada en la residencia del Programa de Residencias Artísticas Laboratorio Arte A. C. del Tecnológico de Monterrey, México (2020); MMCA Programa de residencia internacional para artistas del Museo Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo, Seúl, Corea (2019) y Flux Factory de Nueva York, EUA, (2014) entre otros. Recientemente fue artista seleccionada para la residencia Art OMI (2020, ahora programada para 2022).

Actualmente es investigadora del C3 (Centro de Ciencias de la Complejidad, UNAM).

Para conocer más sobre el trabajo de Julia Carrillo visita juliacarrillo.mx/

13 jul

Posted at 12:58h in Programa Público

<< Regresar

FURIA Y POESÍA

10 AÑOS — ATELIER ROMO

13.MARZO — 13.JUNIO — 2021

FURIA Y POESÍA

10 AÑOS — ATELIER ROMO

PARA GARANTIZAR TU ACCESO, ADQUIERE TU ENTRADA EN LÍNEA: registroarteabierto.org

El modelo de trabajo de < Arte Abierto > se basa en la colaboración con artistas y expertos invitados, qué en sus estrategias y conceptos de producción artística, se alinean a los valores y objetivos institucionales con proyectos específicos de arte contemporáneo.

Desde el 2019 hemos trabajando con Sebastián Romo, fundador y creador de Atelier Romo, el resultado de esta significativa colaboración se nombra Atelier Abierto, que por sus líneas de trabajo pedagógicas y de orden participativo, es uno de los componentes conceptuales más importantes de nuestra Fundación.

A través de este programa desarrollaremos estrategias y actividades educativas únicas para el acercamiento directo con nuestros públicos.

Para instaurar este espacio físico, dedicado a nuestros públicos, Arte Abierto se enorgullece en presentar la exhibición Furia y Poesía. 10 años de Atelier Romo. Con ella reconocemos y celebramos esta metodología educativa, integral y multidisciplinaria, que se rige bajo el concepto de educación profunda, entendida como todo conocimiento que nos acompaña y mejora nuestra vida cotidiana.

Trabajar en un espacio ubicado en ARTZ Pedregal, nos da la oportunidad de romper con los circuitos habituales del arte contemporáneo y construir nuevos públicos y participantes desde el arte.

< Arte Abierto > presenta la exposición Furia y Poesía. 10 años de Atelier Romo, la cual se encontrará en exhibición y abierta al del 13 de marzo al 13 de junio del 2021 de 12:00 a 5:00 PM en el espacio Atelier Abierto, ubicado en la PB de ARTZ Pedregal, en Periférico Sur 3720, Jardines del Pedregal, Álvaro Obregón en la Ciudad de México.

Crecí en una primaria maravillosa. Había una cooperativa para aprehender matemáticas con la que se financiaban los campamentos, que se transformaban en aulas móviles. En los talleres de la escuela lo mismo se construían los juegos del patio (Que todavía existen), se horneaba pan, o se tejía a gancho. Por supuesto el taller de carpintería era uno de mis favoritos. Tomábamos clases en algunos espacios vecinos, que suponían un par de caminatas semanales las cuales eran una aventura. Gozábamos de una gran libertad bien contenida. Dejar la escuela Herminio Almendros, supuso un periplo adolescente por instituciones donde sentía que no se aprehendía nada. Mi interés por el arte parecía no tener eco.

Tuve la suerte de tener magníficos MAESTROS, personas solidarias y comprometidas. Posteriormente, al dar clases entendí y vi el ansia, el desespero de algunos chicos luchando en la universidad por querer materializar sus sueños.

El Atelier se fundó desde la necesidad que tenía un pequeño grupo de universitarios. Ellos fueron quienes dieron la primera estructura, sabían que era lo que querían hacer y como hacerlo.

Después de diez años de trabajo continuo encontramos una metodología propia, no de importación, construida desde los integrantes de Atelier y complementada por un maravilloso grupo de personas expertas en diferentes disciplinas que generosamente han compartido su conocimientos y experiencia.

Atelier Romo es un espacio donde se prioriza el hacer sobre la retórica, el roce entre disciplinas, el intercambio de ideas y puntos de vista, la curiosidad y la experimentación, la autoestima el empoderamiento y la autonomía.

Pasamos de ser cofradía, para convertirnos en educación alternativa, después “Academia de pensamiento visual” y ahora queremos ahondar en la idea de educación profunda, en nuestros propios términos.

Quiero dar las gracias a mis alumnos por ser mis maestros y a mis maestros por compartir su vida.

Sebastián Romo

Diciembre de 2020.

ATELIER ROMO

Desde hace diez años Atelier Romo ha desarrollado una metodología educativa, integral y multidisciplinaria basada en las artes. Actualmente, el eje rector está focalizado en la educación profunda entendida como todo conocimiento que nos acompaña y mejora nuestra vida cotidiana.

La metodología consiste en integrar el cuerpo, el pensamiento, la cultura y el arte desde la práctica constante y disciplinada, en un ambiente de trabajo relajado que cuenta con todos los requerimientos para aprehender y crear sin limitaciones.

Tiene como líneas de trabajo el pensamiento visual y el dibujo; los principios básicos para la construcción suave, entre ellos la costura, la electricidad y la creación de maquetas; y el desarrollo de un proyecto final que tiene como salidas una exposición y una publicación editorial.

Atelier Romo ha tenido diversas colaboraciones con instituciones como el Museo Tamayo, la Fundación Alumnos 47, la Colección Jumex, diversas universidades y centros de arte en el interior del país, y en el extranjero con el Fashion Institute of Technology de Nueva York. También, fue invitado a desarrollar un proyecto especial para la XII Bienal FEMSA.

Además de las cinco monografías impresas que ha compilado a lo largo de su historia, ha presentado múltiples proyectos expositivos y cinematográficos en espacios como Casa Vecina, el Museo Tamayo, la Sala de Arte Público Siqueiros, La Tallera, el Centro de Artes Visuales de Mérida y el Instituto Cervantes de Nueva York, entre otros.

Atelier Romo tiene un especial énfasis en la comunidad preuniversitaria, con la intención de prepararlos para saber vivir mejor y poder responder con eficiencia al momento histórico que habitan.

@atelier.romo

@atelier_romo

SEBASTIÁN ROMO

Sebastián Romo (Ciudad de México, 1973)
 realizó estudios de fotografía, cine documental y Artes Visuales en la Universidad Nacional Autónoma de México.

Ha participado en varias exposiciones individuales y colectivas a nivel nacional e internacional.

El trabajo de Sebastián forma parte de diversas colecciones privadas en Alemania, Brasil y Estados Unidos. En México destacan: La Colección Jumex, el Museo de Arte Moderno, el Museo Carrillo Gil, por mencionar algunas.

Sebastián Romo, es fundador del Atelier Romo, plataforma educativa multidisciplinaria, para alumnos de alto rendimiento, la cual implementa estrategias del arte contemporáneo para atender problemas de la actualidad. La academia de pensamiento visual y la implementación de educación profunda son algunos de los proyectos que se realizan actualmente.

@sebastianromoart

13 jul

Posted at 12:57h in Espacio Abierto

<< Regresar

LATIDOS

“El hecho de que los latidos del corazón se utilicen ampliamente como representación poética de la vida y el amor se debe en parte a esta facilidad de traducción y al reconocimiento universal del sonido rítmico que escuchamos por primera vez en el útero, el corazón de nuestra madre, que luego es acompañado y reemplazado por el nuestro propio.”

– Rafael Lozano-Hemmer

Latidos fue la tercera exposición monográfica sobre la obra biométrica del artista mexicano Rafael Lozano-Hemmer, después de las presentadas en Beall Center de Los Ángeles en 2010 y el Hirshhorn Museum de Washington en 2018.

Incorporando cuatro instalaciones que utilizan sensores de frecuencia cardiaca para impulsar respuestas cinéticas y audiovisuales, la exposición subvierte las tecnologías de identificación y determinación para crear experiencias conectivas en una escala arquitectónica. En Latidos, los signos vitales del público se tomaron para ser registrados como secuencias repetitivas que se visualizan como luces intermitentes, paisajes sonoros panorámicos, ondas en tanques, retroalimentación háptica y huellas digitales animadas.

En el núcleo de cada obra, un sensor detecta la firma biométrica de cada participante. Este “retrato” o “instantánea” de la actividad eléctrica íntima del visitante luego se agrega a un archivo en vivo con otras grabaciones, creando un paisaje de audiovisuales sincopados que representan un vasto grupo de participantes, entregando los datos del individuo a un campo de lecturas colectivas. La aparición de patrones complejos no lineales de sincopación, sincronicidad y resonancia es evidente en todos los proyectos, y recuerda la música minimalista de Conlon Nancarrow, Glenn Branca o Steve Reich, por ejemplo, donde los patrones repetitivos ligeramente desfasados entre sí crean un fenómeno auditivo más complejo.

La nueva instalación de telepresencia Corazonadas Remotas, encargada por < Arte Abierto >, no registra los latidos del corazón, sino que los transmite a través de la red entre dos estaciones interactivas idénticas donde un participante puede sentir el latido del otro, y viceversa.

Originalmente esta pieza se presentó como parte de la instalación de Lozano-Hemmer Sintonizador Fronterizo, realizada en la frontera de Estados Unidos y México, con una estación en Ciudad Juárez, Chihuahua y la otra en El Paso, Texas. Para esta exposición, inicialmente se interconectaron estaciones entre < Arte Abierto > y el Museo Amparo de Puebla.

RAFAEL LOZANO-HEMMER (CDMX, 1967)

Su trabajo se ha enfocado en el desarrollo de instalaciones interactivas que se encuentran en la intersección de la arquitectura y el performance. Su principal interés es crear plataformas para la participación pública, utilizando a la tecnología como un lenguaje de nuestro tiempo, como un vehículo inevitable pero cuestionable.

Lozano-Hemmer fue el primer artista en representar oficialmente a México en la 52ª Bienal de Venecia con Algunas cosas pasan más veces que todo el tiempo. Ha tenido exposiciones individuales en el Museo de Arte Moderno de San Francisco, el Museo Universitario Arte Contemporáneo en la Ciudad de México y el Museo de Arte Contemporáneo en Sydney, entre otros. También ha participado en distintas Bienales y Trienales de arte como la de La Habana, Estambul, Kochi, Liverpool, Montreal, Moscú, Nueva Orleans, Sevilla, Seúl, Shanghái, Singapur y Sydney. Su obra forma parte de las colecciones más importantes a nivel internacional ,entre ellas al MoMA (Nueva York), Tate (Londres), AGO (Toronto), Jumex (CDMX), DAROS (Zurich), Borusan Contemporary (Estambul), MUAC (CDMX), Museo de Arte Contemporáneo 21C (Kanazawa), MAC (Montreal) y el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden (Washington, DC).

Vive y trabaja en Montreal, Canadá.

lozano-hemmer.com/

13 jul

Posted at 12:49h in Espacio Abierto

<< Regresar

MNEMOSYNE

29.11.2019 – 29.03.2020

Mnemosyne es un ejercicio en torno a la investigación lumínica de Paolo Montiel Coppa.

<Arte Abierto> presentó por primera vez Mnemosyne de Paolo Montiel Coppa, una instalación de gran escala en la que el público podía acceder en su interior para apreciar juegos visuales y sonoros. Presentado como un caleidoscopio gigante transitable, se ofrecía a los espectadores una experiencia inmersiva, generada por uno de los principios más sencillos de la óptica: la reflexión de la luz.

Formada a base de estructuras de acero inoxidable con acabado de espejo e iluminación LED, la instalación se acompañaba de un sistema de audio y video-proyección con el que se formaba un caleidoscopio triangular de 15m de largo por 4m de alto. Al caminar a través de ella, los reflejos infinitos de luz descubrían miles de formas geométricas combinadas con colores cambiantes que se mezclaban, dando la impresión de flotar en el espacio.

La finalidad fue crear un espacio físico alimentado con juegos de luz, que permitiera activar la memoria del público para conectar con su creatividad y evocar en ellos diferentes emociones que propiciaran un momento contemplativo-emocional-meditativo.

Mnemosyne fue fabricado por Metalglez.

PAOLO MONTIEL COPPA aka TANSEN (Cuernavaca, 1977)

Es físico por la la Universidad Autónoma del Estado de Morelos (UAEM) y cuenta con estudios de Toería del Arte en el Centro Morelense de las Artes e Historia del Arte en la Universidad La Salle. Su investigación se enfoca en las propiedades del color, en cómo es percibido por el cuerpo humano y cómo su reflejo en la memoria se da a través de la luz. Tansen ha desarrollado instalaciones lumínicas en el Pabellón de México en la Expo Milán 2015, Noches de Kukulkán en las pirámides de Chichén Itzá y las piezas White Canvas, Cycles y Outside, esta última presentada en el festival Day for Night en Houston, Texas. Asimismo, trabajando en la dirección técnica con artistas como Kurt Hentschlager con ZEE (Ars Electrónica, México 2010) AntiVJ con The Ark (Festival Proyecta Oaxaca) y James Turrell con Pasajes de Luz (Museo Jumex, 2019), Encounter (Jardín Botánico de Culiacán, 2015),  Agua de Luz (en la selva de Yucatán, 2012), Árbol de Luz (Hacienda San Pedro Ochil, Yucatán, 2011).

paolomontiel.com/

13 jul

Posted at 12:43h in Espacio Abierto

<< Regresar

ILLEGAL ART

09.14.2019 – 11.30.2019

En septiembre de 2019 el colectivo neoyorquino Illegal Art presentó por primera vez en México cuatro proyectos en Artz Pedregal: Last Word, Suggestion Box, What Color Are You? y la instalación comisionada por <Arte Abierto>, Measure Up.  Cada una propició la participación del público, como una experiencia creativa-colectiva.

THE LAST WORD

Siempre hay cosas que no se dicen, que nos guardamos y permanecen en nuestro interior. La instalación puede ser el final perfecto para una conversación con un desconocido, una respuesta inteligente en un debate en el trabajo, una despedida a un ser querido y, sobre todo, un espacio de oportunidades para tener la última palabra que hemos perdido.

The Last Word brinda un momento íntimo para recuperar lo que nunca se dijo. El público puede escribir en un papel su “última palabra”, para después enrollarlo y colocarlo en pequeñas cavidades de un muro de cartón que remiten a la forma de un panal.

Los papeles enrollados en los que se plasmaron pensamientos y emociones, pueden ser leídos por las otras personas que decidan participar, accediendo así a un repertorio de ideas y reflexiones variadas.

Todos son libres de formar parte o limitarse únicamente a leer lo plasmado por los demás y a hacer reflexiones en colectivo. Las palabras respetan la individualidad, pero revelan que la experiencia es mayor cuando la participación es colectiva. La obra crece con la contribución del público. Quizá con estos ejercicios podamos acercarnos a entender conceptos como la felicidad, la tristeza, los deseos y aprovechar el momento de autoreflexión que ofrece el arte.

The Last Word se activó del 14 de septiembre al 12 de octubre, 2019 se mantuvo expuesta hasta el 9 de noviembre del mismo año en Artz Pedregal.

SUGGESTION BOX

Para esta acción se le pidió a personas en diferentes puntos de la Ciudad de México que en una hoja anotaran una sugerencia, idea o pensamiento de cualquier tipo, y la depositaran en una pequeña rendija incluida en una caja de cartón transportable. Una vez que las cajas se llenaron de sugerencias, éstas fueron compiladas y publicadas en las redes sociales de <Arte Abierto> como pensamientos anónimos.

Suggestion Box ha viajado a tres continentes y ha sido activada por individuos y grupos en comunidades locales, recolectando las ideas de decenas de miles de personas en numerosos idiomas. En 2005, Chronicle Books publicó una recopilación de sugerencias realizadas en Nueva York bajo el título Suggestion.

Suggestion Box se activó del 20 de septiembre al 12 de octubre en varios puntos de la CDMX y las cajas fueron abiertas con Otis Kriegel, co-fundador de Illegal Art, en Espacio Arte Abierto.

WHAT COLOR ARE YOU?

En esta activación, a cada participante se le invitó a pintar en un papel en blanco de 3 x 3 pulgadas (7.62 x 7.62 cm), el color que sentían que los representaba de manera esencial como personas. Posteriormente, se les pidió que lo colocaran en un panel cuadriculado, uno junto al otro. El resultado fue un mosaico repleto de diferenes tonalidades, representando a cientos de personas relacionadas por un espacio físico.

Se invitó al público a participar en la activación What Color Are You? del 5 de octubre al 9 de noviembre. La pieza se mantuvo expuesta hasta el 29 de noviembre, 2019 en Artz Pedregal.

MEASURE UP

En un momento u otro, todos hemos admirado a figuras públicas, desde estrellas de cine y atletas, hasta activistas, exploradores, científicos y artistas. Gigantes en sus campos, han adornado revistas y pantallas para ser más grandes que la vida dentro de nuestras mentes. Pero, ¿qué tan grandes son en la vida real?, ¿estamos a la altura de ellos?

Measure Up es un proyecto comisionado por <Arte Abierto>, que juega con el indicador de crecimiento internacional de la infancia: el marco de la puerta del hogar marcado con centímetros. A lo largo de un sendero al aire libre se colocaron estructuras de madera, simulando estos marcos, cada uno indicando la altura y los nombres de personalidades conocidas de la cultura, cienca o historia, a las que admiramos o aspiramos a parecernos.

La intención fue poner las cosas en perspectiva y que, a través de su altura, cada participante pudiera identificarse y crear un vínculo con estos personaje.

Measure Up se activó en Artz Pedregal el 12 de octubre al 30 de noviembre, 2019.

ILLEGAL ART

El colectivo Illegal Art fue fundado en 2001 por los artistas Otis Kriegel y Michael McDevitt en Nueva York. Su objetivo es crear arte público participativo que inspire la autorreflexión, el pensamiento y la conexión humana. Cada pieza se presenta o distribuye de tal forma que la participación es sencilla y motivada. Sus proyectos han sido expuestos en países como Estados Unidos, Inglaterra, España, Italia, China, Nueva Zelanda, entre otros.

illegalart.org/

@illegalart2001.

13 jul

Posted at 12:42h in Espacio Abierto

<< Regresar

SUBMERGENCE

17.07.2019 – 29.09.2019

La instalación transitable del colectivo Squidsoup consistió en la colocación de 5,200 puntos de luz suspendidos en el espacio a través de cuerdas delgadas y verticales, que respondían a la presencia del espectador, creando una sensación de movimiento y una experiencia de inmersión.

Submergence transformó el espacio de <Arte Abierto> en un ambiente híbrido, en elque los mundos virtual y físico coincidieron. La obra se activaba a través de un juego lumínico y cromático en correspondencia con el sonido. Esta sensación dinámica lograba crear una narrativa abstracta, que iba en aumento hasta llegar a un clímax final. El público que se adentraba en la pieza tenía la oportunidad de tener una experiencia lúminica, auditiva y espacial.

 Submergence es un proyecto de Squidsoup, realizado por Anthony Rowe, Gaz Bushell, Liam Birtles, Ollie Bown y Chris Bennewith. Ha sido presentada en más de 40 espacios y eventos alrededor del mundo.

SQUIDSOUP

Es un grupo internacional de artistas, investigadores, tecnólogos y diseñadores con sede en el Reino Unido, que trabaja con experiencias en medios digitales e interactivos. Sus proyectos combinan espacios digitales físicos y dinámicos con formas de interacción novedosas e intuitivas, con el fin de producir experiencias inmersivas, receptivas y cautivadoras.

Han expuesto en múltiples eventos y sedes alrededor del mundo, como: la Catedral de Salisbury,  Sydney Opera House, Usina del Arte en Argentina, Visual Art Week de México, Burning Man en Estados Unidos, el Festival Glastonbury, la TATE Britain, entre otros.

El trabajo de Squidsoup se puede experimentar en línea en squidsoup.org y en espacios compartidos, instalaciones físicas y virtuales, en juegos y herramientas de software.

Submergence estuvo abierta a todo público del 7 de julio al 29 de septiembre, 2019 en Artz Pedregal, planta baja.

13 jul

Posted at 12:40h in Espacio Abierto

<< Regresar

WHITE CANVAS

30.11.2018 – 30.01.2019

Con una sofisticada programación de más de 300 luces y un diseño de audio envolvente con piezas musicales originales, la instalación White Canvas logró que convergieran el arte y la tecnología en un mismo espacio. La intención fue crear una experiencia inmersiva de luz y sonido que llevara a las personas en un viaje a través de los sentido, estimulando su imaginación y potenciando su creatividad.

Presentado en múltiples ciudades, este proyecto es uno de los más originales y exitosos de Cocolab, que ha inspirado a personas dentro y fuera de México para explorar nuevos paradigmas de creación a partir de la colaboración y el desarrollo de ideas.

COCOLAB

Es un colectivo que busca crear experiencias que inspiren de forma positiva, al combinar creativamente arte, tecnología y entretenimiento. Cada proyecto integra diversos recursos, como video, audio, tecnologías interactivas, efectos especiales, iluminación, escenografía, diseño industrial, contenido, programación y show control. El desarrollo de experiencias innovadoras parte de la colaboración con creadores, talentos y expertos de campos muy distintos, que los enriquece de manera muy particular.

Si quieres conocer más sobre Cocolab visita: cocolab.mx

< Arte Abierto > abrió al público White Canvas de Cocolab del 30 de noviembre, 2018 al 30 de enero, 2019 en la planta baja de Artz Pedregal.

Arte Abierto