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RAFAEL LOZANO-HEMMER

CORAZONADAS REMOTAS, 2019

Instalación con placa de sensores de frecuencia cardiaca.

Corazonadas remotas es una instalación interactiva compuesta por dos estaciones de detección de pulso interconectadas a través de internet. Cuando una persona coloca sus manos en una estación, automáticamente la persona en la otra estación siente su pulso, ya que las placas vibran en sincronía con el latido de la persona remota y viceversa. Un par de focos también indican las corazonadas de ambos participantes.

Esta pieza se presentó originalmente como parte de la instalación Sintonizador Fronterizo que Lozano-Hemmer realizó en la frontera entre Estados Unidos y México, con una estación en Ciudad Juárez, Chihuahua, y otra en El Paso, Texas. Para la exposición Latidos, las estaciones se interconectaron entre Arte Abierto, en la Ciudad de México, y el Museo Amparo de Puebla. Actualmente, ambas estaciones se encuentran en dos puntos dentro del complejo arquitectónico Artz Pedregal.

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RAFAEL LOZANO-HEMMER

(México, 1967)

Artista interdisciplinario cuyo trabajo se ha enfocado en desarrollar instalaciones interactivas que están en la intersección entre la arquitectura y el performance. Su principal interés es crear plataformas para la participación pública, utilizando a la tecnología como un lenguaje de nuestro tiempo, así como un vehículo inevitable pero cuestionable. Fue el primer artista en representar a México en la 52 Bienal de Venecia. Su trabajo se ha presentado en el San Francisco Museum of Modern Art, el Museo Universitario Arte Contemporáneo de la Ciudad de México, y el Museum of Contemporary Art Australia (MCA), entre otros espacios.

ERICK MEYENBERG

THINGS WE DO FOR LOVE, 2022

Escultura cerámica

Durante un viaje a Japón, Erick Meyenberg vio y documentó un crisantemo sobre el suelo de un cementerio en Tokio, después de haber sido arrasado por un tifón. La escena reverberó en el artista debido a un momento personal por el que atravesaba y que hacía lucir todo a su alrededor fragmentado. Así, a partir de la filosofía y técnica japonesa del Kintsugi, que consiste en reparar la cerámica rota, evidenciando las uniones para subrayar su valor y belleza a pesar de sus fracturas, surgió la idea de hacer una escultura de los pétalos desmembrados de aquella flor –considerada el emblema imperial de país nipón. Meyenberg pensó que la escultura debía surgir del suelo, así como Afrodita surgió de las aguas; sus formas recuperan la fuerza y el movimiento del agua, mientras que su color refleja y el amor y erotismo encarnado por Afrodita. La metáfora del Kintsugi invita a reconocer la belleza que existe aún en los fragmentos o roturas que forman parte de la vida.

Esta obra representa la primera vez que Meyenberg trabaja con cerámica. Fue realizada ex profeso para su videoinstalación Things We Do for Love, comisionada por Arte Abierto, y fue producida en el taller de Cerámica Suro de Guadalajara.

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ERICK MEYENBERG

(México, 1980)

Artista visual interdisciplinario que ve la pintura como elemento fundamental de expresión, aunque también explora otros medios como la instalación sonora, la escultura, el dibujo, el collage, el video y el performance. Su trabajo es resultado de una profunda investigación sobre temas como la literatura, la historia, las ciencias sociales y las ciencias naturales. Su trabajo ha sido expuesto en espacios como Arte Abierto, el Laboratorio Arte Alameda, el Museo Tamayo, inSite / Casa Gallina, Bienal de las Américas, Universidad de las Artes de Berlín, entre otros.
Representante en el Pabellón de México en la 60ª Bienal de Arte de Venecia (Abril, 2024) con el proyecto ‘Nos marchábamos, regresábamos siempre’, junto con la curadora Tania Ragasol.

JULIA CARRILLO

ESE PUNTO EN EL ESPACIO, 2021

Ese punto en el espacio (2021) es un artefacto óptico que muestra la capacidad que tienen la geometría y la materia reflectante para conducir la luz y construir espacios simulados que desafían a nuestra mirada. Al mirar al interior de la pieza, se puede observar un juego de reflejos infinitos que, a su vez, generan un escenario paralelo en relación a nuestra posición en el espacio físico real.

Concebida como una escultura de luz, el efecto que produce es resultado de una composición precisa en la que una serie de espejos está acomodada de forma geométrica. La abstracción que se genera representa, para Julia Carrillo, un homenaje a El Aleph de Jorge Luis Borges en el que un punto en el espacio contiene las cuatro esquinas del universo, es decir el Todo.

La pieza fue creada y comisionada especialmente para la exposición Luz Instante que se presentó en Arte Abierto en 2021 y que reunió siete obras de Carrillo centradas en la exploración de la luz.

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JULIA CARRILLO

(México, 1987)

Estudió matemáticas en la UNAM y una maestría en artes visuales en la Academia de San Carlos, además de contar con estudios en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York. Ha participado en diversas exposiciones individuales y colectivas en México y en el extranjero. Actualmente es investigadora del C3 (Centro de Ciencias de la Complejidad de la UNAM) y fue beneficiaria del programa Jóvenes Creadores del FONCA.

JOSE DÁVILA

JOSE DÁVILA (México, 1974)
JOINT EFFORT, 2019

Volúmenes de concreto, roca volcánica y correas de trinquete

Esta pieza es una escultura de grandes dimensiones que reúne los intereses formales y conceptuales del artista Jose Dávila, como la relación con la resistencia, la tensión y el orden geométrico de los materiales que utiliza. La roca volcánica y el concreto refieren a un contraste entre los materiales orgánicos e industriales, subrayando sus fuerzas y capacidades a través de una composición en la que los dos elementos soportan sus respectivos pesos, mientras que las correas afianzan la dinámica ejercida entre el concreto y la roca. Como su nombre lo indica, Joint Effort es, literalmente, un esfuerzo en conjunto por mantener el equilibrio, la fuerza y la armonía de los componentes de la pieza.

Jose Dávila (México, 1974) El trabajo de Jose Dávila aborda las relaciones que existen entre elementos contrastantes o contradictorios. La mayoría de su obra se centra en explorar las posibilidades, capacidades y propiedades de la escultura, a través de una selección minuciosa de los materiales y las formas con las que produce sus piezas. Muchas veces guiado por la intuición, en sus estructuras escultóricas coexiste un encuentro entre la calma y la tensión, el orden geométrico y el caos azaroso, la fragilidad y la resistencia, estableciendo una relación directa entre la forma y el contenido.

DANIEL BUREN

DANIEL BUREN (France, 1938)
DE LA ROTONDA DE LA FUENTE. CINCO COLORES PARA MÉXICO, 2018

Trabajo in situ. Homenaje al Arquitecto Manuel Tolsá

Mármol, cancelería y cristales de colores

La obra de Daniel Buren gira en torno a la abstracción de la forma a través de la línea y el color; su propuesta se enmarca en el territorio de lo arquitectónico y lo urbano. Con sus obras de sitio específico acentúa aspectos de los edificios, de los espacios que interviene y en consecuencia también incide en el paisaje. Sus composiciones en última instancia abordan la relación entre el ser humano y su entorno físico.

La pieza que aquí vemos, fue pensada y producida para la fuente central del complejo ARTZ Pedregal, en ella, el artista creó un diálogo con el espacio y el entorno, a través de la combinación de materiales simples, figuras geométricas y colores sólidos que conviven con el agua y la luz natural.

Daniel Buren (Francia, 1938) ha trabajado por más de cinco décadas en la intersección entre arte, arquitectura y espacio. En los 60 desarrolló la idea del “grado cero de la pintura”, como el mismo lo llamó, para jugar con los materiales y su relación con el medio y la estructura que dan forma a la obra de arte. Sus proyectos de intervención son totalmente pensados y creados en el sitio que se establecen, tomando en cuenta el contexto que los alberga y una paleta de colores que permita detonar sentidos y dinamismos entre la obra y el espacio. Estas piezas buscan ser una herramienta para cuestionar cómo miramos y percibimos, así como la forma en que el espacio es usado y apropiado. El trabajo de Buren se ha presentado en museos, espacios públicos e instituciones de arte de Alemania, Bélgica, Estados Unidos, España, Francia, Italia y México, por mencionar algunos.

AI WEIWEI

AI WEIWEI (China, 1957)
FOREVER, 2013

Acero inoxidable

Forever es la marca de bicicletas más popular en China, producida masivamente en Shanghai desde 1940.

La escultura hace un despliegue en serie de la bicicleta exhibiendo tortuosamente su forma reiterada. Sugiere una reflexión sobre el individuo en la sociedad China, donde poco a poco el crecimiento de las metrópolis ha optado por otros medios de transporte que la han sustituido. Hoy, el urbanismo de la metrópoli china contemporánea ha dejado marginada y disminuida tanto su utilidad como su estatus social.

Por otra parte, no se puede dejar de ver su referencia a los ready mades u objetos encontrados de principios del siglo XX, que tienen a la bicicleta como una de sus figuras más reconocibles.

Ai Weiwei (China, 1957) es uno de los artistas y figuras culturales líderes de su generación, tanto por su producción artística como por su activismo político. Su trabajo surge a partir de una vinculación entre la investigación social y los modos de creación, los cuales determinan las formas de representación y aparición de su arte. A través de esculturas, fotografías, performances, instalaciones y objetos, cuya manufactura mezcla el trabajo artesanal y conceptual, explora la existencia humana a partir de su relación con las fuerzas económicas, políticas, naturales y sociales. Su trabajo se ha presentado en museos, espacios públicos e instituciones de arte de Alemania, Austria, Brasil, Estados Unidos, Finlandia Francia, Inglaterra, Israel, México, Portugal y Turquía, entre otros.

TANIA CANDIANI

TANIA CANDIANI (México, 1974)
KIOSKO SONORO, 2018

Estructura de acero, trompetas, tubos, bases de concreto

Para crear esta pieza interactiva, la artista partió de la idea de un kiosco tradicional y el papel social y cultural que este juega en la plaza pública.

La escultura sonora reflexiona sobre la carga histórica contenida en ese tipo de construcciones a través de su estructura, conformada por una retícula de trompetas, conectadas a través de mangueras rígidas a un punto de transmisión único, que permite ser activado por el público. La pieza así adquiere nuevas atribuciones al integrar una experiencia personal directa en el entorno de lo público.

Tania Candiani (México, 1974) es una artista multidisciplinaria que trabaja en la intersección entre el arte, la literatura, el diseño, la música, la arquitectura, la ciencia y la tecnología. Sus proyectos juegan y se aproximan a las diferentes narrativas que se pueden generar, traducir o explorar dentro los diferentes sistemas simbólicos y de comunicación que utilizamos cotidianamente, como los lenguajes fonéticos, gráficos, lingüíticos y tecnológicos. Así, sus obras, ya sean performances, instalaciones, objetos, esculturas, acciones, buscan reflexionar sobre las diferentes formas en que nos relacionamos como seres sociales y culturales. Candiani es becaria del Sistema Nacional de Creadores de Arte de México desde 2012 y representó a México en la 56ª Bienal de Venecia. Su trabajo se ha presentado en museos, espacios públicos e instituciones de arte de Colombia, Cuba, Estados Unidos, Italia, Lituania, México, Polonia, Reino Unido y Rusia entre otros.