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Ugo Rondinone. LONG LAST HAPPY, (2020). Neon, acrylic glass, translucent foil, aluminium. Colección Arte Abierto.

03 Feb UGO RONDINONE

Posted at 22:02h in Colección

UGO RONDINONE

long last happy, 2020

Neón, vidrio acrílico, lámina translúcida, aluminio.

Ugo Rondinone utiliza la poesía y el lenguaje como base para explorar emociones que impactan profundamente al ser humano. LONG LAST HAPPY (2020), un letrero de neón de diez metros de largo compuesto por letras con rayas de arcoíris, forma parte de su serie Rainbow poetry. El título de la pieza hace referencia a una colección de cuentos del escritor Barry Hannah.

Para Rondinone, esta pieza es una declaración poética dirigida a los transeúntes, un mensaje de felicidad eterna que es atemporal y une a personas a través de milenios y continentes.

Un arcoíris es un puente que une todo con todos.

UGO RONDINONE

(Suiza, 1964)

Reconocido como una de las voces más importantes de su generación, Ugo Rondinone es un artista que compone meditaciones abrasadoras sobre la naturaleza y la condición humana, al tiempo que establece un vocabulario formal orgánico que fusiona una variedad de tradiciones escultóricas y pictóricas. La amplitud y generosidad de su visión de la naturaleza humana han dado como resultado una amplia gama de objetos bidimensionales y tridimensionales, instalaciones, videos y performances. Sus formas híbridas, que toman prestado de fuentes culturales antiguas y modernas por igual, exudan emoción y humor, yendo directamente al corazón de los problemas más urgentes de nuestro tiempo, donde el logro modernista y la expresión arcaica se cruzan.

Ugo Rondinone nació en 1964 en Brunnen, Suiza. Estudió en la Universität für Angewandte Kunst en Vienna antes de mudarse a Nueva York en 1997, donde vive y trabaja al día de hoy. Su obra ha sido objeto de recientes exposiciones institucionales en Belvedere, Vienna (2021); Museo Tamayo, Ciudad de México; Schirn Kunsthalle, Frankfurt; Petit Palais, Paris; Scuola Grande San Giovanni Evangelista di Venezia, Venecia (2022); el Musée d’Art et d’Histoire, Ginebra; Storm King, Nueva York; Museo Städel, Frankfurt (2023); Museo SAN, Wonju; Museo Würth 2 y Jardín Escultórico, Künzelsau; el Kunstmuseum Luzern, Suiza y el Aspen Art Museum, Colorado (2024). En 2007 representó a Suiza en la 52ª Bienal de Venecia.

ugorondinone.com/
@ugorondinone0

Ugo Rondinone (Suiza, 1964). Foto: Maru Teppei. Cortesía: Studio Rondinone

Colección Arte Abierto. Rafael Lozano-Hemmer, "Corazonadas Remotas", 2019. Foto: Mariana Yañez

08 Nov RAFAEL LOZANO-HEMMER

Posted at 18:48h in Colección

RAFAEL LOZANO-HEMMER

CORAZONADAS REMOTAS, 2019

Instalación con placa de sensores de frecuencia cardiaca.

Corazonadas remotas es una instalación interactiva compuesta por dos estaciones de detección de pulso interconectadas a través de internet. Cuando una persona coloca sus manos en una estación, automáticamente la persona en la otra estación siente su pulso, ya que las placas vibran en sincronía con el latido de la persona remota y viceversa. Un par de focos también indican las corazonadas de ambos participantes.

Esta pieza se presentó originalmente como parte de la instalación Sintonizador Fronterizo que Lozano-Hemmer realizó en la frontera entre Estados Unidos y México, con una estación en Ciudad Juárez, Chihuahua, y otra en El Paso, Texas. Para la exposición Latidos, las estaciones se interconectaron entre Arte Abierto, en la Ciudad de México, y el Museo Amparo de Puebla. Actualmente, ambas estaciones se encuentran en dos puntos dentro del complejo arquitectónico Artz Pedregal.

RAFAEL LOZANO-HEMMER

(México, 1967)

Artista interdisciplinario cuyo trabajo se ha enfocado en desarrollar instalaciones interactivas que están en la intersección entre la arquitectura y el performance. Su principal interés es crear plataformas para la participación pública, utilizando a la tecnología como un lenguaje de nuestro tiempo, así como un vehículo inevitable pero cuestionable. Fue el primer artista en representar a México en la 52 Bienal de Venecia. Su trabajo se ha presentado en el San Francisco Museum of Modern Art, el Museo Universitario Arte Contemporáneo de la Ciudad de México, y el Museum of Contemporary Art Australia (MCA), entre otros espacios.

Erick Meyenberg. 'Things We Do for Love'. Escultura cerámica, 2022. Colección Arte Abierto.

26 Oct ERICK MEYENBERG

Posted at 00:38h in Colección

ERICK MEYENBERG

THINGS WE DO FOR LOVE, 2022

Escultura cerámica

Durante un viaje a Japón, Erick Meyenberg vio y documentó un crisantemo sobre el suelo de un cementerio en Tokio, después de haber sido arrasado por un tifón. La escena reverberó en el artista debido a un momento personal por el que atravesaba y que hacía lucir todo a su alrededor fragmentado. Así, a partir de la filosofía y técnica japonesa del Kintsugi, que consiste en reparar la cerámica rota, evidenciando las uniones para subrayar su valor y belleza a pesar de sus fracturas, surgió la idea de hacer una escultura de los pétalos desmembrados de aquella flor –considerada el emblema imperial de país nipón. Meyenberg pensó que la escultura debía surgir del suelo, así como Afrodita surgió de las aguas; sus formas recuperan la fuerza y el movimiento del agua, mientras que su color refleja y el amor y erotismo encarnado por Afrodita. La metáfora del Kintsugi invita a reconocer la belleza que existe aún en los fragmentos o roturas que forman parte de la vida.

Esta obra representa la primera vez que Meyenberg trabaja con cerámica. Fue realizada ex profeso para su videoinstalación Things We Do for Love, comisionada por Arte Abierto, y fue producida en el taller de Cerámica Suro de Guadalajara.

ERICK MEYENBERG

(México, 1980)

Artista visual interdisciplinario que ve la pintura como elemento fundamental de expresión, aunque también explora otros medios como la instalación sonora, la escultura, el dibujo, el collage, el video y el performance. Su trabajo es resultado de una profunda investigación sobre temas como la literatura, la historia, las ciencias sociales y las ciencias naturales. Su trabajo ha sido expuesto en espacios como Arte Abierto, el Laboratorio Arte Alameda, el Museo Tamayo, inSite / Casa Gallina, Bienal de las Américas, Universidad de las Artes de Berlín, entre otros.
Representante en el Pabellón de México en la 60ª Bienal de Arte de Venecia (Abril, 2024) con el proyecto ‘Nos marchábamos, regresábamos siempre’, junto con la curadora Tania Ragasol.

Colección Arte Abierto. Julia Carrillo "Ese punto en el espacio", 2021. Foto: Oscar Caballero

07 Aug JULIA CARRILLO

Posted at 12:20h in Colección

JULIA CARRILLO

ESE PUNTO EN EL ESPACIO, 2021

Ese punto en el espacio (2021) es un artefacto óptico que muestra la capacidad que tienen la geometría y la materia reflectante para conducir la luz y construir espacios simulados que desafían a nuestra mirada. Al mirar al interior de la pieza, se puede observar un juego de reflejos infinitos que, a su vez, generan un escenario paralelo en relación a nuestra posición en el espacio físico real.

Concebida como una escultura de luz, el efecto que produce es resultado de una composición precisa en la que una serie de espejos está acomodada de forma geométrica. La abstracción que se genera representa, para Julia Carrillo, un homenaje a El Aleph de Jorge Luis Borges en el que un punto en el espacio contiene las cuatro esquinas del universo, es decir el Todo.

La pieza fue creada y comisionada especialmente para la exposición Luz Instante que se presentó en Arte Abierto en 2021 y que reunió siete obras de Carrillo centradas en la exploración de la luz.

JULIA CARRILLO

(México, 1987)

Estudió matemáticas en la UNAM y una maestría en artes visuales en la Academia de San Carlos, además de contar con estudios en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York. Ha participado en diversas exposiciones individuales y colectivas en México y en el extranjero. Actualmente es investigadora del C3 (Centro de Ciencias de la Complejidad de la UNAM) y fue beneficiaria del programa Jóvenes Creadores del FONCA.