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DERIVAS DE ARTE Y ARQUITECTURA

Derivas de Arte y Arquitectura de <Arte Abierto> es un programa que busca renovar nuestra mirada sobre el legado arquitectónico de la Ciudad de México. A partir de una serie de charlas enfocadas en rescatar los relatos paralelos de proyectos arquitectónicos emblemáticos y de espacios públicos que han sido testigo del entrecruce variable entre el arte y la arquitectura. En esta primera etapa, el programa aborda principalmente arquitecturas de la modernidad, a partir de una serie de charlas propuestas por curadores, arquitectos, artistas y urbanistas invitados. Con este programa se ensayan maneras de devolver a la arquitectura parte de su carácter público, vivencial, colectivo y cercano a quienes habitamos la ciudad, reconociendo en ella su condición de archivo vivo. A partir de estas charlas, se revelan circunstancias, contextos y anécdotas que han sido parte de su memoria sensible y que complementan su memoria material, relación que muchas veces escapa de las narrativas documentales y los relatos académicos.

Derivas de Arte y Arquitectura plantea rutas imaginarias y derivas sin trayecto para el redescubrimiento espacial, necesarias para repensar el pasado inmediato y presente de la ciudad, en un momento de complejización urbana que intensifica nuestro habitar.

Las charlas se realizan en formato presencial, de manera gratuita, los últimos sábados de mes a las 13:00 h en <Arte Abierto>.

INTEGRACIÓN PLÁSTICA DE LOS EDIFICIOS DEL CAMPUS CENTRAL DE CU: SUS MURALES

• Charla presencial con Gustavo Lipkau y Xavier Hierro.

• Sábado 23 de abril, 2022 a la 1:00 pm.

• La charla se llevará a cabo en Espacio Arte Abierto.

• Entrada libre.

Conversación en torno a de los edificios del campus central de Ciudad Universitaria y sus murales.

El Campus Central de la UNAM es un complejo arquitectónico en el que participaron conjuntamente ingenieros y artistas con la intención de fusionar disciplinas como la arquitectura, la pintura y la escultura, bajo lo que se conoció como Integración plástica. En esta charla, Gustavo Lipkau y Xavier Hierro abordarán los procesos y búsquedas de este movimiento y cómo se ve reflejado en ocho edificios y murales fundamentales del campus universitario. Se tratará de una charla que, más allá de la teoría, los arquitectos compartirán sucesos y anécdotas alrededor de la construcción de este espacio clave para la Ciudad de México.

Gustavo Lipkau Henríquez (Caracas, 1972) es arquitecto y urbanista.

Realizó sus estudios de Arquitectura en la UNAM y ha sido profesor invitado en universidades tanto en México como en el extranjero.  En 2000 co-fundó Futura Desarrollo Urbano (FDU), y entre 2010 y 2012 fundó y coordinó los talleres “Microurbanismo de Casa Vecina”, de la Fundación del Centro Histórico de la Ciudad de México A.C.  y “Observatorio de la Ciudad” en la Facultad de Arquitectura de la UNAM. Desde 2015 es parte de Luxmart Futura S.A de C.V, empresa dedicada a actividades de industria, comercio, energía, y sustentabilidad.

Xavier Hierro Ozores (Ciudad de México, 1973) es egresado de la Facultad de Arquitectura de la UNAM.

Cuenta con 14 años de asistencia ininterrumpida como estudiante y aprendiz de docente. Se ha dedicado a la práctica profesional del diseño por más de 25 años, ejerciendo como coordinador de equipos de trabajo multidisciplinarios enfocados en la producción de infraestructuras para la educación, la salud, la seguridad y el espacio público. En paralelo, ha sumado experiencias en el diseño y fabricación de mobiliario, producción de obras audiovisuales e instalaciones y, más recientemente, en la pintura de gran escala.

Espacio Arte Abierto se encuentra ubicado en el centro del jardín entrando por el piso 2 de  ARTZ Pedregal (Periférico Sur 3720, Jardines del Pedregal, Álvaro Obregón) en la Ciudad de México.

DERIVAS DE ARTE Y ARQUITECTURA

Derivas de Arte y Arquitectura de <Arte Abierto> es un programa que busca renovar nuestra mirada sobre el legado arquitectónico de la Ciudad de México. A partir de una serie de charlas enfocadas en rescatar los relatos paralelos de proyectos arquitectónicos emblemáticos y de espacios públicos que han sido testigo del entrecruce variable entre el arte y la arquitectura. En esta primera etapa, el programa aborda principalmente arquitecturas de la modernidad, a partir de una serie de charlas propuestas por curadores, arquitectos, artistas y urbanistas invitados. Con este programa se ensayan maneras de devolver a la arquitectura parte de su carácter público, vivencial, colectivo y cercano a quienes habitamos la ciudad, reconociendo en ella su condición de archivo vivo. A partir de estas charlas, se revelan circunstancias, contextos y anécdotas que han sido parte de su memoria sensible y que complementan su memoria material, relación que muchas veces escapa de las narrativas documentales y los relatos académicos.

Derivas de Arte y Arquitectura plantea rutas imaginarias y derivas sin trayecto para el redescubrimiento espacial, necesarias para repensar el pasado inmediato y presente de la ciudad, en un momento de complejización urbana que intensifica nuestro habitar.

Las charlas se realizan en formato presencial, de manera gratuita, los últimos sábados de mes a las 13:00 h en <Arte Abierto>.

DEL ANIMAL HERIDO Y OTROS EVENTOS ESCULTÓRICOS  DENTRO DE LA ARQUITECTURA MODERNA

• Charla presencial con David Miranda.

• Sábado 26 de marzo, 2022 a la 1:00 pm.

• La charla se llevará a cabo en Espacio Arte Abierto, ubicado en el piso 2 de Artz Pedregal.

• Entrada libre.

Conversación en torno a los proyectos de escultura urbana de Mathias Goeritz en México.

En 1951 Mathias Goeritz realizó la escultura el Animal herido.  A partir de ese momento comenzó un dialogo urbano entre producción escultórica y arquitectónica de la modernidad en México que conforma un distintivo único en América Latina. El curador y artista David Miranda conversará en torno a todos los proyectos del artista y docente de origen alemán.

David Miranda Flores  es artista visual y curador.

Estudió la Maestría en Estudios Curatoriales en la Facultad de Filosofía y Letras en la UNAM y la Licenciatura en Artes Plásticas en la Escuela Nacional de Pintura Escultura y Grabado ENPEG “La Esmeralda”. Fue coordinador del proyecto de Educación Estética en la Ciudad de México, por parte del Instituto Mexicano del Arte al Servicio de la Educación (IMASE) en colaboración con el Lincoln Center Institute de Nueva York (2003-2005). En 2011 Recibió la Beca Jóvenes Creadores del FONCA. Su trabajo artístico ha sido mostrado en diversas instituciones culturales de México, Colombia, Chile, España y Estados Unidos. Desde el año 2005 combina su actividad artística con su trabajo como curador en el Museo Experimental El Eco. Es miembro de la PAE (Plataforma Arte Educación) y actualmente es profesor dentro de la ENPEG, La Esmeralda.

Espacio Arte Abierto se encuentra ubicado en el centro del jardín entrando por el piso 2 de  ARTZ Pedregal (Periférico Sur 3720, Jardines del Pedregal, Álvaro Obregón) en la Ciudad de México.

DERIVAS DE ARTE Y ARQUITECTURA

Derivas de Arte y Arquitectura de <Arte Abierto> es un programa de rutas propuestas por curadores, arquitectos, artistas y urbanistas invitados, para explorar una serie de espacios arquitectónicos e intervenciones artísticas significativas en espacios públicos de la Ciudad de México. La finalidad de las derivas es generar experiencias de redescubrimiento espacial, que renueven nuestra mirada del legado de ciertas obras arquitectónicas y artísticas tanto emblem ticas, como olvidadas.

Los derivas se realizan de manera gratuita, los últimos sábados de cada mes de 2022 a las 12:00 horas con un aforo limitado.

CONVERSACIÓN: LA TORRE DE LOS VIENTOS

ENTORNO URBANO, COTIDIANIDAD Y ARTE

• Charla presencial con Tania Ragasol.

• Sábado 26 de febrero, 2022 a las 12:00 pm.

• La charla se llevará a cabo en Espacio Arte Abierto, ubicado en el piso 2 de Artz Pedregal.

• Entrada libre.

La curadora e historiadora del arte Tania Ragasol conversará en <Arte Abierto> sobre la historia, la importancia y el presente de La Torre de los Vientos, una escultura habitable que se puede pensar también como un objeto posado en la trama urbana, un fantasma del paisaje urbano y un testigo de la ciudad.

La Torre de Los Vientos fue creada por el artista y arquitecto Gonzalo Fonseca (Uruguay, 1922 – Italia, 1997) como parte de La Ruta de la Amistad MEXICO68 (estación número 6), un proyecto concebido por Mathias Goeritz con el apoyo de Pedro Ramírez Vázquez, para realizar un corredor escultórico con 19 estaciones (esculturas) realizadas por artistas de los cinco continentes como parte de la Olimpiada Cultural del ’68. La Torre de Los Vientos es un laboratorio de arte multidisciplinario creado en 1996 por Luis Javier de la Torre González en participación con Gonzalo Fonseca, con un programa de proyectos de experimentación artística vigente.

Parte de este relato será revisitado desde la voz de Ragasol: desde la creación del proyecto en el marco de los Juegos Olímpicos México 1968, hasta su programa cultural actual. La charla se tejerá con anécdotas personales y datos históricos que den cuenta de la existencia y devenires de La Torre de los Vientos, así como su importancia en la escena del arte contemporáneo de la Ciudad de México en la década de 1990.

La conversación se realiza en seguimiento al relato que la presentadora ha hecho de esta torre en #Visor, un podcast que realiza para la plataforma @convoynetwork.

Tania Ragasol es historiadora del arte, curadora y coordinadora de proyectos de arte contemporáneo. Cuenta con una trayectoria de más de 20 años como curadora, editora y gestora, en espacios e instituciones como el Museo de Arte Carrillo Gil, el Museo Tamayo, inSite_05, el Museo de Arte Moderno, Casa Vecina y Zona Maco. Actualmente conduce dos programas en la plataforma @convoynetwork: #Visor, un podcast en el que comparte experiencias personales y profesionales sobre el arte en la Ciudad de México durante los 90, y #TaniaRagasolEnConvoy, una transmisión en vivo sobre música y cultura. Además, es responsables de la curaduría y desarrollo conceptual de proyectos en Oficina Particular, una cooperativa de profesionales de arte contemporáneo.

Para conocer más sobre La Ruta de la Amistad visita el sitio del Patronato Ruta de la Amistad MEXICO68.

Espacio Arte Abierto se encuentra ubicado en el centro del jardín entrando por el piso 2 de  ARTZ Pedregal (Periférico Sur 3720, Jardines del Pedregal, Álvaro Obregón) en la Ciudad de México.

NO SOUND OF WATER

12.11.2021 – 15.05.2022

ESPACIO ABIERTO

TROIKA. NO SOUND OF WATER

12.11.2021 – 15.05.2022

No Sound of Water es una instalación inmersiva y de gran formato que lleva al espectador a una realidad aislada y llena de sal. Al estar dentro, se puede sentir una atmósfera que te transporta a un lugar que podría existir en el futuro. Con esta instalación que simula un ecosistema ficticio, el colectivo busca reflexionar sobre el futuro de la Tierra y su transformación en lugar inhóspito por efecto de la actividad humana.

Por más de dos décadas, el colectivo de arte Troika, formado en 2003 por Eva Rucki (Alemania, 1976), Conny Freyer (Alemania, 1976) y Sebastian Noel (Francia, 1977), ha buscado desafiar nuestra percepción del mundo y su eventual destrucción. Para la exposición No Sound of Water, presenta dos obras que en conjunto forman un paisaje hostil y desolado que, si bien podría pensarse como parte de un ecosistema ficticio, podría convertirse en realidad por efecto de las diversas acciones humanas destructivas. Lejos de enunciar un discurso o moraleja ecologista, la exposición se centra en las problemáticas provocadas por los avances tecnológicos, capitalistas e industriales y el impacto que tienen a tal grado de provocar una nueva era geológica (el Antropoceno) y la eventual descomposición de la Tierra.

No Sound of Water parte de un proyecto artístico y de investigación que Troika ha desarrollado a lo largo de diez años: Untertage (que por su traducción del alemán significa “debajo de la tierra” o, literalmente, “debajo del día”), que pone a la sal como agente de la evolución cultural, es decir, como el componente clave de las herramientas sin las cuales la civilización humana no sería lo que es ahora. Así, la sal se convierte también en la protagonista del drama que es la dominación mundial.

La instalación No Sound of Water está conformada por una máquina de procesamiento industrial que hace referencia a las tecnologías extractivistas. A través de un canal superior, la estructura funciona como una cascada de sal en movimiento constante, como si se tratara de un reloj de arena infinito, hasta el punto de convertirse en incontrolable: la sal se derrama a través de la sala, se acumulan en las grietas del suelo o incluso en los dobleces de los pantalones de los visitantes. Con la sal como elemento central, la pieza propone una lectura alternativa en la que este mineral no solo es un elemento de extinción humana y natural, sino la responsable de crear una época basada en la inteligencia no-orgánica y la biología sintética. El mismo título de la pieza hace alusión a la ausencia total de un elemento clave y orgánico como es el agua.

Por su parte, el video Terminal Beach se desarrolla en medio de un territorio desolado y empobrecido en donde lo único que se puede ver es el último árbol sobre la faz de la tierra y un brazo robótico que constantemente golpea con un hacha el tronco del árbol. La extreñeza de la atmósfera se refuerza con un fondo acústico compuesto por sonidos de rayos, vientos solares y tormentas geomagnéticas, capturadas como ondas de radio por el British Antartic Survey. La métafora del video es contundente: estamos destruyendo el mundo que nos sostiene y cada avance de la tecnología, el capitalismo y la industria es también un paso hacia la extinción.

< Arte Abierto > presenta Troika, con la exposición No Sound of Water la cual se encontrará en exhibición y abierta al público en Espacio Arte Abierto ubicado en el piso 2 del complejo arquitectónico de ARTZ Pedregal del 12 de noviembre, 2021 al 15 de mayo, 2022 de martes a domingo de 12:00 a 7:00 pm.

TROIKA: NO SOUND OF WATER

< ARTE ABIERTO > PRESENTA  NO SOUND OF WATER DEL COLECTIVO TROIKA

• No Sound of Water es una instalación inmersiva y de gran formato que lleva al espectador a una realidad aislada y llena de sal. Al estar dentro, se puede sentir una atmósfera que te transporta a un lugar que podría existir en el futuro.

• A través de una instalación que simula un ecosistema ficticio, el colectivo busca reflexionar sobre el futuro de la Tierra y su transformación en un lugar inhóspito por efecto de la actividad humana.

• La muestra se presenta del 12 de noviembre de 2021 al 15 de mayo de 2022 en Espacio Arte Abierto ubicado en Artz Pedregal.

<Arte Abierto> presenta el trabajo del colectivo Troika, a través de dos obras que son expuestas por primera vez en México: No Sound of Water (2021), comisionada por la Fundación Arte Abierto, y Terminal Beach (2020).

Por más de dos décadas, el colectivo de arte Troika, formado en 2003 por Eva Rucki (Alemania, 1976), Conny Freyer (Alemania, 1976) y Sebastian Noel (Francia, 1977), ha buscado desafiar nuestra percepción del mundo y su eventual destrucción. Para la exposición No Sound of Water, presenta dos obras que en conjunto forman un paisaje hostil y desolado que, si bien podría pensarse como parte de un ecosistema ficticio, podría convertirse en realidad por efecto de las diversas acciones humanas destructivas. Lejos de enunciar un discurso o moraleja ecologista, la exposición se centra en las problemáticas provocadas por los avances tecnológicos, capitalistas e industriales y el impacto que tienen a tal grado de provocar una nueva era geológica (el Antropoceno) y la eventual descomposición de la Tierra.

No Sound of Water parte de un proyecto artístico y de investigación que Troika ha desarrollado a lo largo de diez años: Untertage (que por su traducción del alemán significa “debajo de la tierra” o, literalmente, “debajo del día”), que pone a la sal como agente de la evolución cultural, es decir, como el componente clave de las herramientas sin las cuales la civilización humana no sería lo que es ahora. Así, la sal se convierte también en la protagonista del drama que es la dominación mundial.

La exposición No Sound of Water de Troika estará abierta al público del 12 de noviembre al 15 de mayo de 2022 en el Espacio Arte Abierto, ubicado en el piso 2 de ARTZ Pedregal en la Ciudad de México.

ARTZ Pedregal: Periférico Sur 3720, Jardines del Pedregal, Álvaro Obregón, en la Ciudad de México.

LATIDOS

“El hecho de que los latidos del corazón se utilicen ampliamente como representación poética de la vida y el amor se debe en parte a esta facilidad de traducción y al reconocimiento universal del sonido rítmico que escuchamos por primera vez en el útero, el corazón de nuestra madre, que luego es acompañado y reemplazado por el nuestro propio.”

– Rafael Lozano-Hemmer

Latidos fue la tercera exposición monográfica sobre la obra biométrica del artista mexicano Rafael Lozano-Hemmer, después de las presentadas en Beall Center de Los Ángeles en 2010 y el Hirshhorn Museum de Washington en 2018.

Incorporando cuatro instalaciones que utilizan sensores de frecuencia cardiaca para impulsar respuestas cinéticas y audiovisuales, la exposición subvierte las tecnologías de identificación y determinación para crear experiencias conectivas en una escala arquitectónica. En Latidos, los signos vitales del público se tomaron para ser registrados como secuencias repetitivas que se visualizan como luces intermitentes, paisajes sonoros panorámicos, ondas en tanques, retroalimentación háptica y huellas digitales animadas.

En el núcleo de cada obra, un sensor detecta la firma biométrica de cada participante. Este “retrato” o “instantánea” de la actividad eléctrica íntima del visitante luego se agrega a un archivo en vivo con otras grabaciones, creando un paisaje de audiovisuales sincopados que representan un vasto grupo de participantes, entregando los datos del individuo a un campo de lecturas colectivas. La aparición de patrones complejos no lineales de sincopación, sincronicidad y resonancia es evidente en todos los proyectos, y recuerda la música minimalista de Conlon Nancarrow, Glenn Branca o Steve Reich, por ejemplo, donde los patrones repetitivos ligeramente desfasados entre sí crean un fenómeno auditivo más complejo.

La nueva instalación de telepresencia Corazonadas Remotas, encargada por < Arte Abierto >, no registra los latidos del corazón, sino que los transmite a través de la red entre dos estaciones interactivas idénticas donde un participante puede sentir el latido del otro, y viceversa.

Originalmente esta pieza se presentó como parte de la instalación de Lozano-Hemmer Sintonizador Fronterizo, realizada en la frontera de Estados Unidos y México, con una estación en Ciudad Juárez, Chihuahua y la otra en El Paso, Texas. Para esta exposición, inicialmente se interconectaron estaciones entre < Arte Abierto > y el Museo Amparo de Puebla.

RAFAEL LOZANO-HEMMER (CDMX, 1967)

Su trabajo se ha enfocado en el desarrollo de instalaciones interactivas que se encuentran en la intersección de la arquitectura y el performance. Su principal interés es crear plataformas para la participación pública, utilizando a la tecnología como un lenguaje de nuestro tiempo, como un vehículo inevitable pero cuestionable.

Lozano-Hemmer fue el primer artista en representar oficialmente a México en la 52ª Bienal de Venecia con Algunas cosas pasan más veces que todo el tiempo. Ha tenido exposiciones individuales en el Museo de Arte Moderno de San Francisco, el Museo Universitario Arte Contemporáneo en la Ciudad de México y el Museo de Arte Contemporáneo en Sydney, entre otros. También ha participado en distintas Bienales y Trienales de arte como la de La Habana, Estambul, Kochi, Liverpool, Montreal, Moscú, Nueva Orleans, Sevilla, Seúl, Shanghái, Singapur y Sydney. Su obra forma parte de las colecciones más importantes a nivel internacional ,entre ellas al MoMA (Nueva York), Tate (Londres), AGO (Toronto), Jumex (CDMX), DAROS (Zurich), Borusan Contemporary (Estambul), MUAC (CDMX), Museo de Arte Contemporáneo 21C (Kanazawa), MAC (Montreal) y el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden (Washington, DC).

Vive y trabaja en Montreal, Canadá.

lozano-hemmer.com/

MNEMOSYNE

29.11.2019 – 29.03.2020

Mnemosyne es un ejercicio en torno a la investigación lumínica de Paolo Montiel Coppa.

<Arte Abierto> presentó por primera vez Mnemosyne de Paolo Montiel Coppa, una instalación de gran escala en la que el público podía acceder en su interior para apreciar juegos visuales y sonoros. Presentado como un caleidoscopio gigante transitable, se ofrecía a los espectadores una experiencia inmersiva, generada por uno de los principios más sencillos de la óptica: la reflexión de la luz.

Formada a base de estructuras de acero inoxidable con acabado de espejo e iluminación LED, la instalación se acompañaba de un sistema de audio y video-proyección con el que se formaba un caleidoscopio triangular de 15m de largo por 4m de alto. Al caminar a través de ella, los reflejos infinitos de luz descubrían miles de formas geométricas combinadas con colores cambiantes que se mezclaban, dando la impresión de flotar en el espacio.

La finalidad fue crear un espacio físico alimentado con juegos de luz, que permitiera activar la memoria del público para conectar con su creatividad y evocar en ellos diferentes emociones que propiciaran un momento contemplativo-emocional-meditativo.

Mnemosyne fue fabricado por Metalglez.

PAOLO MONTIEL COPPA aka TANSEN (Cuernavaca, 1977)

Es físico por la la Universidad Autónoma del Estado de Morelos (UAEM) y cuenta con estudios de Toería del Arte en el Centro Morelense de las Artes e Historia del Arte en la Universidad La Salle. Su investigación se enfoca en las propiedades del color, en cómo es percibido por el cuerpo humano y cómo su reflejo en la memoria se da a través de la luz. Tansen ha desarrollado instalaciones lumínicas en el Pabellón de México en la Expo Milán 2015, Noches de Kukulkán en las pirámides de Chichén Itzá y las piezas White Canvas, Cycles y Outside, esta última presentada en el festival Day for Night en Houston, Texas. Asimismo, trabajando en la dirección técnica con artistas como Kurt Hentschlager con ZEE (Ars Electrónica, México 2010) AntiVJ con The Ark (Festival Proyecta Oaxaca) y James Turrell con Pasajes de Luz (Museo Jumex, 2019), Encounter (Jardín Botánico de Culiacán, 2015),  Agua de Luz (en la selva de Yucatán, 2012), Árbol de Luz (Hacienda San Pedro Ochil, Yucatán, 2011).

paolomontiel.com/

ILLEGAL ART

09.14.2019 – 11.30.2019

En septiembre de 2019 el colectivo neoyorquino Illegal Art presentó por primera vez en México cuatro proyectos en Artz Pedregal: Last Word, Suggestion Box, What Color Are You? y la instalación comisionada por <Arte Abierto>, Measure Up.  Cada una propició la participación del público, como una experiencia creativa-colectiva.

THE LAST WORD

Siempre hay cosas que no se dicen, que nos guardamos y permanecen en nuestro interior. La instalación puede ser el final perfecto para una conversación con un desconocido, una respuesta inteligente en un debate en el trabajo, una despedida a un ser querido y, sobre todo, un espacio de oportunidades para tener la última palabra que hemos perdido.

The Last Word brinda un momento íntimo para recuperar lo que nunca se dijo. El público puede escribir en un papel su “última palabra”, para después enrollarlo y colocarlo en pequeñas cavidades de un muro de cartón que remiten a la forma de un panal.

Los papeles enrollados en los que se plasmaron pensamientos y emociones, pueden ser leídos por las otras personas que decidan participar, accediendo así a un repertorio de ideas y reflexiones variadas.

Todos son libres de formar parte o limitarse únicamente a leer lo plasmado por los demás y a hacer reflexiones en colectivo. Las palabras respetan la individualidad, pero revelan que la experiencia es mayor cuando la participación es colectiva. La obra crece con la contribución del público. Quizá con estos ejercicios podamos acercarnos a entender conceptos como la felicidad, la tristeza, los deseos y aprovechar el momento de autoreflexión que ofrece el arte.

The Last Word se activó del 14 de septiembre al 12 de octubre, 2019 se mantuvo expuesta hasta el 9 de noviembre del mismo año en Artz Pedregal.

SUGGESTION BOX

Para esta acción se le pidió a personas en diferentes puntos de la Ciudad de México que en una hoja anotaran una sugerencia, idea o pensamiento de cualquier tipo, y la depositaran en una pequeña rendija incluida en una caja de cartón transportable. Una vez que las cajas se llenaron de sugerencias, éstas fueron compiladas y publicadas en las redes sociales de <Arte Abierto> como pensamientos anónimos.

Suggestion Box ha viajado a tres continentes y ha sido activada por individuos y grupos en comunidades locales, recolectando las ideas de decenas de miles de personas en numerosos idiomas. En 2005, Chronicle Books publicó una recopilación de sugerencias realizadas en Nueva York bajo el título Suggestion.

Suggestion Box se activó del 20 de septiembre al 12 de octubre en varios puntos de la CDMX y las cajas fueron abiertas con Otis Kriegel, co-fundador de Illegal Art, en Espacio Arte Abierto.

WHAT COLOR ARE YOU?

En esta activación, a cada participante se le invitó a pintar en un papel en blanco de 3 x 3 pulgadas (7.62 x 7.62 cm), el color que sentían que los representaba de manera esencial como personas. Posteriormente, se les pidió que lo colocaran en un panel cuadriculado, uno junto al otro. El resultado fue un mosaico repleto de diferenes tonalidades, representando a cientos de personas relacionadas por un espacio físico.

Se invitó al público a participar en la activación What Color Are You? del 5 de octubre al 9 de noviembre. La pieza se mantuvo expuesta hasta el 29 de noviembre, 2019 en Artz Pedregal.

MEASURE UP

En un momento u otro, todos hemos admirado a figuras públicas, desde estrellas de cine y atletas, hasta activistas, exploradores, científicos y artistas. Gigantes en sus campos, han adornado revistas y pantallas para ser más grandes que la vida dentro de nuestras mentes. Pero, ¿qué tan grandes son en la vida real?, ¿estamos a la altura de ellos?

Measure Up es un proyecto comisionado por <Arte Abierto>, que juega con el indicador de crecimiento internacional de la infancia: el marco de la puerta del hogar marcado con centímetros. A lo largo de un sendero al aire libre se colocaron estructuras de madera, simulando estos marcos, cada uno indicando la altura y los nombres de personalidades conocidas de la cultura, cienca o historia, a las que admiramos o aspiramos a parecernos.

La intención fue poner las cosas en perspectiva y que, a través de su altura, cada participante pudiera identificarse y crear un vínculo con estos personaje.

Measure Up se activó en Artz Pedregal el 12 de octubre al 30 de noviembre, 2019.

ILLEGAL ART

El colectivo Illegal Art fue fundado en 2001 por los artistas Otis Kriegel y Michael McDevitt en Nueva York. Su objetivo es crear arte público participativo que inspire la autorreflexión, el pensamiento y la conexión humana. Cada pieza se presenta o distribuye de tal forma que la participación es sencilla y motivada. Sus proyectos han sido expuestos en países como Estados Unidos, Inglaterra, España, Italia, China, Nueva Zelanda, entre otros.

illegalart.org/

@illegalart2001.

SUBMERGENCE

17.07.2019 – 29.09.2019

La instalación transitable del colectivo Squidsoup consistió en la colocación de 5,200 puntos de luz suspendidos en el espacio a través de cuerdas delgadas y verticales, que respondían a la presencia del espectador, creando una sensación de movimiento y una experiencia de inmersión.

Submergence transformó el espacio de <Arte Abierto> en un ambiente híbrido, en elque los mundos virtual y físico coincidieron. La obra se activaba a través de un juego lumínico y cromático en correspondencia con el sonido. Esta sensación dinámica lograba crear una narrativa abstracta, que iba en aumento hasta llegar a un clímax final. El público que se adentraba en la pieza tenía la oportunidad de tener una experiencia lúminica, auditiva y espacial.

 Submergence es un proyecto de Squidsoup, realizado por Anthony Rowe, Gaz Bushell, Liam Birtles, Ollie Bown y Chris Bennewith. Ha sido presentada en más de 40 espacios y eventos alrededor del mundo.

SQUIDSOUP

Es un grupo internacional de artistas, investigadores, tecnólogos y diseñadores con sede en el Reino Unido, que trabaja con experiencias en medios digitales e interactivos. Sus proyectos combinan espacios digitales físicos y dinámicos con formas de interacción novedosas e intuitivas, con el fin de producir experiencias inmersivas, receptivas y cautivadoras.

Han expuesto en múltiples eventos y sedes alrededor del mundo, como: la Catedral de Salisbury,  Sydney Opera House, Usina del Arte en Argentina, Visual Art Week de México, Burning Man en Estados Unidos, el Festival Glastonbury, la TATE Britain, entre otros.

El trabajo de Squidsoup se puede experimentar en línea en squidsoup.org y en espacios compartidos, instalaciones físicas y virtuales, en juegos y herramientas de software.

Submergence estuvo abierta a todo público del 7 de julio al 29 de septiembre, 2019 en Artz Pedregal, planta baja.

WHITE CANVAS

30.11.2018 – 30.01.2019

Con una sofisticada programación de más de 300 luces y un diseño de audio envolvente con piezas musicales originales, la instalación White Canvas logró que convergieran el arte y la tecnología en un mismo espacio. La intención fue crear una experiencia inmersiva de luz y sonido que llevara a las personas en un viaje a través de los sentido, estimulando su imaginación y potenciando su creatividad.

Presentado en múltiples ciudades, este proyecto es uno de los más originales y exitosos de Cocolab, que ha inspirado a personas dentro y fuera de México para explorar nuevos paradigmas de creación a partir de la colaboración y el desarrollo de ideas.

COCOLAB

Es un colectivo que busca crear experiencias que inspiren de forma positiva, al combinar creativamente arte, tecnología y entretenimiento. Cada proyecto integra diversos recursos, como video, audio, tecnologías interactivas, efectos especiales, iluminación, escenografía, diseño industrial, contenido, programación y show control. El desarrollo de experiencias innovadoras parte de la colaboración con creadores, talentos y expertos de campos muy distintos, que los enriquece de manera muy particular.

Si quieres conocer más sobre Cocolab visita: cocolab.mx

< Arte Abierto > abrió al público White Canvas de Cocolab del 30 de noviembre, 2018 al 30 de enero, 2019 en la planta baja de Artz Pedregal.