Author: pepe

LATIDOS

“El hecho de que los latidos del corazón se utilicen ampliamente como representación poética de la vida y el amor se debe en parte a esta facilidad de traducción y al reconocimiento universal del sonido rítmico que escuchamos por primera vez en el útero, el corazón de nuestra madre, que luego es acompañado y reemplazado por el nuestro propio.”

– Rafael Lozano-Hemmer

Latidos fue la tercera exposición monográfica sobre la obra biométrica del artista mexicano Rafael Lozano-Hemmer, después de las presentadas en Beall Center de Los Ángeles en 2010 y el Hirshhorn Museum de Washington en 2018.

Incorporando cuatro instalaciones que utilizan sensores de frecuencia cardiaca para impulsar respuestas cinéticas y audiovisuales, la exposición subvierte las tecnologías de identificación y determinación para crear experiencias conectivas en una escala arquitectónica. En Latidos, los signos vitales del público se tomaron para ser registrados como secuencias repetitivas que se visualizan como luces intermitentes, paisajes sonoros panorámicos, ondas en tanques, retroalimentación háptica y huellas digitales animadas.

En el núcleo de cada obra, un sensor detecta la firma biométrica de cada participante. Este “retrato” o “instantánea” de la actividad eléctrica íntima del visitante luego se agrega a un archivo en vivo con otras grabaciones, creando un paisaje de audiovisuales sincopados que representan un vasto grupo de participantes, entregando los datos del individuo a un campo de lecturas colectivas. La aparición de patrones complejos no lineales de sincopación, sincronicidad y resonancia es evidente en todos los proyectos, y recuerda la música minimalista de Conlon Nancarrow, Glenn Branca o Steve Reich, por ejemplo, donde los patrones repetitivos ligeramente desfasados entre sí crean un fenómeno auditivo más complejo.

La nueva instalación de telepresencia Corazonadas Remotas, encargada por < Arte Abierto >, no registra los latidos del corazón, sino que los transmite a través de la red entre dos estaciones interactivas idénticas donde un participante puede sentir el latido del otro, y viceversa.

Originalmente esta pieza se presentó como parte de la instalación de Lozano-Hemmer Sintonizador Fronterizo, realizada en la frontera de Estados Unidos y México, con una estación en Ciudad Juárez, Chihuahua y la otra en El Paso, Texas. Para esta exposición, inicialmente se interconectaron estaciones entre < Arte Abierto > y el Museo Amparo de Puebla.

RAFAEL LOZANO-HEMMER (CDMX, 1967)

Su trabajo se ha enfocado en el desarrollo de instalaciones interactivas que se encuentran en la intersección de la arquitectura y el performance. Su principal interés es crear plataformas para la participación pública, utilizando a la tecnología como un lenguaje de nuestro tiempo, como un vehículo inevitable pero cuestionable.

Lozano-Hemmer fue el primer artista en representar oficialmente a México en la 52ª Bienal de Venecia con Algunas cosas pasan más veces que todo el tiempo. Ha tenido exposiciones individuales en el Museo de Arte Moderno de San Francisco, el Museo Universitario Arte Contemporáneo en la Ciudad de México y el Museo de Arte Contemporáneo en Sydney, entre otros. También ha participado en distintas Bienales y Trienales de arte como la de La Habana, Estambul, Kochi, Liverpool, Montreal, Moscú, Nueva Orleans, Sevilla, Seúl, Shanghái, Singapur y Sydney. Su obra forma parte de las colecciones más importantes a nivel internacional ,entre ellas al MoMA (Nueva York), Tate (Londres), AGO (Toronto), Jumex (CDMX), DAROS (Zurich), Borusan Contemporary (Estambul), MUAC (CDMX), Museo de Arte Contemporáneo 21C (Kanazawa), MAC (Montreal) y el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden (Washington, DC).

Vive y trabaja en Montreal, Canadá.

lozano-hemmer.com/

MNEMOSYNE

29.11.2019 – 29.03.2020

Mnemosyne es un ejercicio en torno a la investigación lumínica de Paolo Montiel Coppa.

<Arte Abierto> presentó por primera vez Mnemosyne de Paolo Montiel Coppa, una instalación de gran escala en la que el público podía acceder en su interior para apreciar juegos visuales y sonoros. Presentado como un caleidoscopio gigante transitable, se ofrecía a los espectadores una experiencia inmersiva, generada por uno de los principios más sencillos de la óptica: la reflexión de la luz.

Formada a base de estructuras de acero inoxidable con acabado de espejo e iluminación LED, la instalación se acompañaba de un sistema de audio y video-proyección con el que se formaba un caleidoscopio triangular de 15m de largo por 4m de alto. Al caminar a través de ella, los reflejos infinitos de luz descubrían miles de formas geométricas combinadas con colores cambiantes que se mezclaban, dando la impresión de flotar en el espacio.

La finalidad fue crear un espacio físico alimentado con juegos de luz, que permitiera activar la memoria del público para conectar con su creatividad y evocar en ellos diferentes emociones que propiciaran un momento contemplativo-emocional-meditativo.

Mnemosyne fue fabricado por Metalglez.

PAOLO MONTIEL COPPA aka TANSEN (Cuernavaca, 1977)

Es físico por la la Universidad Autónoma del Estado de Morelos (UAEM) y cuenta con estudios de Toería del Arte en el Centro Morelense de las Artes e Historia del Arte en la Universidad La Salle. Su investigación se enfoca en las propiedades del color, en cómo es percibido por el cuerpo humano y cómo su reflejo en la memoria se da a través de la luz. Tansen ha desarrollado instalaciones lumínicas en el Pabellón de México en la Expo Milán 2015, Noches de Kukulkán en las pirámides de Chichén Itzá y las piezas White Canvas, Cycles y Outside, esta última presentada en el festival Day for Night en Houston, Texas. Asimismo, trabajando en la dirección técnica con artistas como Kurt Hentschlager con ZEE (Ars Electrónica, México 2010) AntiVJ con The Ark (Festival Proyecta Oaxaca) y James Turrell con Pasajes de Luz (Museo Jumex, 2019), Encounter (Jardín Botánico de Culiacán, 2015),  Agua de Luz (en la selva de Yucatán, 2012), Árbol de Luz (Hacienda San Pedro Ochil, Yucatán, 2011).

paolomontiel.com/

ILLEGAL ART

09.14.2019 – 11.30.2019

En septiembre de 2019 el colectivo neoyorquino Illegal Art presentó por primera vez en México cuatro proyectos en Artz Pedregal: Last Word, Suggestion Box, What Color Are You? y la instalación comisionada por <Arte Abierto>, Measure Up.  Cada una propició la participación del público, como una experiencia creativa-colectiva.

THE LAST WORD

Siempre hay cosas que no se dicen, que nos guardamos y permanecen en nuestro interior. La instalación puede ser el final perfecto para una conversación con un desconocido, una respuesta inteligente en un debate en el trabajo, una despedida a un ser querido y, sobre todo, un espacio de oportunidades para tener la última palabra que hemos perdido.

The Last Word brinda un momento íntimo para recuperar lo que nunca se dijo. El público puede escribir en un papel su “última palabra”, para después enrollarlo y colocarlo en pequeñas cavidades de un muro de cartón que remiten a la forma de un panal.

Los papeles enrollados en los que se plasmaron pensamientos y emociones, pueden ser leídos por las otras personas que decidan participar, accediendo así a un repertorio de ideas y reflexiones variadas.

Todos son libres de formar parte o limitarse únicamente a leer lo plasmado por los demás y a hacer reflexiones en colectivo. Las palabras respetan la individualidad, pero revelan que la experiencia es mayor cuando la participación es colectiva. La obra crece con la contribución del público. Quizá con estos ejercicios podamos acercarnos a entender conceptos como la felicidad, la tristeza, los deseos y aprovechar el momento de autoreflexión que ofrece el arte.

The Last Word se activó del 14 de septiembre al 12 de octubre, 2019 se mantuvo expuesta hasta el 9 de noviembre del mismo año en Artz Pedregal.

SUGGESTION BOX

Para esta acción se le pidió a personas en diferentes puntos de la Ciudad de México que en una hoja anotaran una sugerencia, idea o pensamiento de cualquier tipo, y la depositaran en una pequeña rendija incluida en una caja de cartón transportable. Una vez que las cajas se llenaron de sugerencias, éstas fueron compiladas y publicadas en las redes sociales de <Arte Abierto> como pensamientos anónimos.

Suggestion Box ha viajado a tres continentes y ha sido activada por individuos y grupos en comunidades locales, recolectando las ideas de decenas de miles de personas en numerosos idiomas. En 2005, Chronicle Books publicó una recopilación de sugerencias realizadas en Nueva York bajo el título Suggestion.

Suggestion Box se activó del 20 de septiembre al 12 de octubre en varios puntos de la CDMX y las cajas fueron abiertas con Otis Kriegel, co-fundador de Illegal Art, en Espacio Arte Abierto.

WHAT COLOR ARE YOU?

En esta activación, a cada participante se le invitó a pintar en un papel en blanco de 3 x 3 pulgadas (7.62 x 7.62 cm), el color que sentían que los representaba de manera esencial como personas. Posteriormente, se les pidió que lo colocaran en un panel cuadriculado, uno junto al otro. El resultado fue un mosaico repleto de diferenes tonalidades, representando a cientos de personas relacionadas por un espacio físico.

Se invitó al público a participar en la activación What Color Are You? del 5 de octubre al 9 de noviembre. La pieza se mantuvo expuesta hasta el 29 de noviembre, 2019 en Artz Pedregal.

MEASURE UP

En un momento u otro, todos hemos admirado a figuras públicas, desde estrellas de cine y atletas, hasta activistas, exploradores, científicos y artistas. Gigantes en sus campos, han adornado revistas y pantallas para ser más grandes que la vida dentro de nuestras mentes. Pero, ¿qué tan grandes son en la vida real?, ¿estamos a la altura de ellos?

Measure Up es un proyecto comisionado por <Arte Abierto>, que juega con el indicador de crecimiento internacional de la infancia: el marco de la puerta del hogar marcado con centímetros. A lo largo de un sendero al aire libre se colocaron estructuras de madera, simulando estos marcos, cada uno indicando la altura y los nombres de personalidades conocidas de la cultura, cienca o historia, a las que admiramos o aspiramos a parecernos.

La intención fue poner las cosas en perspectiva y que, a través de su altura, cada participante pudiera identificarse y crear un vínculo con estos personaje.

Measure Up se activó en Artz Pedregal el 12 de octubre al 30 de noviembre, 2019.

ILLEGAL ART

El colectivo Illegal Art fue fundado en 2001 por los artistas Otis Kriegel y Michael McDevitt en Nueva York. Su objetivo es crear arte público participativo que inspire la autorreflexión, el pensamiento y la conexión humana. Cada pieza se presenta o distribuye de tal forma que la participación es sencilla y motivada. Sus proyectos han sido expuestos en países como Estados Unidos, Inglaterra, España, Italia, China, Nueva Zelanda, entre otros.

illegalart.org/

@illegalart2001.

SUBMERGENCE

17.07.2019 – 29.09.2019

La instalación transitable del colectivo Squidsoup consistió en la colocación de 5,200 puntos de luz suspendidos en el espacio a través de cuerdas delgadas y verticales, que respondían a la presencia del espectador, creando una sensación de movimiento y una experiencia de inmersión.

Submergence transformó el espacio de <Arte Abierto> en un ambiente híbrido, en elque los mundos virtual y físico coincidieron. La obra se activaba a través de un juego lumínico y cromático en correspondencia con el sonido. Esta sensación dinámica lograba crear una narrativa abstracta, que iba en aumento hasta llegar a un clímax final. El público que se adentraba en la pieza tenía la oportunidad de tener una experiencia lúminica, auditiva y espacial.

 Submergence es un proyecto de Squidsoup, realizado por Anthony Rowe, Gaz Bushell, Liam Birtles, Ollie Bown y Chris Bennewith. Ha sido presentada en más de 40 espacios y eventos alrededor del mundo.

SQUIDSOUP

Es un grupo internacional de artistas, investigadores, tecnólogos y diseñadores con sede en el Reino Unido, que trabaja con experiencias en medios digitales e interactivos. Sus proyectos combinan espacios digitales físicos y dinámicos con formas de interacción novedosas e intuitivas, con el fin de producir experiencias inmersivas, receptivas y cautivadoras.

Han expuesto en múltiples eventos y sedes alrededor del mundo, como: la Catedral de Salisbury,  Sydney Opera House, Usina del Arte en Argentina, Visual Art Week de México, Burning Man en Estados Unidos, el Festival Glastonbury, la TATE Britain, entre otros.

El trabajo de Squidsoup se puede experimentar en línea en squidsoup.org y en espacios compartidos, instalaciones físicas y virtuales, en juegos y herramientas de software.

Submergence estuvo abierta a todo público del 7 de julio al 29 de septiembre, 2019 en Artz Pedregal, planta baja.

WHITE CANVAS

30.11.2018 – 30.01.2019

Con una sofisticada programación de más de 300 luces y un diseño de audio envolvente con piezas musicales originales, la instalación White Canvas logró que convergieran el arte y la tecnología en un mismo espacio. La intención fue crear una experiencia inmersiva de luz y sonido que llevara a las personas en un viaje a través de los sentido, estimulando su imaginación y potenciando su creatividad.

Presentado en múltiples ciudades, este proyecto es uno de los más originales y exitosos de Cocolab, que ha inspirado a personas dentro y fuera de México para explorar nuevos paradigmas de creación a partir de la colaboración y el desarrollo de ideas.

COCOLAB

Es un colectivo que busca crear experiencias que inspiren de forma positiva, al combinar creativamente arte, tecnología y entretenimiento. Cada proyecto integra diversos recursos, como video, audio, tecnologías interactivas, efectos especiales, iluminación, escenografía, diseño industrial, contenido, programación y show control. El desarrollo de experiencias innovadoras parte de la colaboración con creadores, talentos y expertos de campos muy distintos, que los enriquece de manera muy particular.

Si quieres conocer más sobre Cocolab visita: cocolab.mx

< Arte Abierto > abrió al público White Canvas de Cocolab del 30 de noviembre, 2018 al 30 de enero, 2019 en la planta baja de Artz Pedregal.

Poliedros para niñxs

Taller de Poliedros para niñxs

Arte Abierto inicia su programa de mediación y comunicación educativa con un taller de poliedros para niñxs.

Por sus líneas de trabajo pedagógicas y de orden participativo, el Programa Público es uno de los componentes conceptuales más importantes de nuestra fundación.

El objetivo principal de este programa es brindar educación a través de las artes bajo un modelo práctico, multidisciplinario, incluyente y con excelencia, a la mayor cantidad de públicos posibles.

El artista multidisciplinario y fundador de Atelier Romo, Sebastián Romo, diseña un taller para niñxs como parte de la exposición Furia y Poesía. 10 años de Atelier Romo.

DESCRIPCIÓN

La finalidad de este taller es acercar a públicos de niñxs al arte por medio de dos talleres basados en la geometría.

  • Sábados y domingos a las 12:00 PM, 1:00 PM y 4:00 PM Del 15 de mayo al 27 de junio, 2021.
  • Dirigido a niños acompañados con papá o mamá.
  • Cupo limitado a 10 niños.
  • En Atelier Abierto ubicado en la PB de Artz Pedregal.
  • Entrada gratuita.

 

Para este taller hay dos actividades:

a. Una sencilla de cortar y pegar plantillas de poliedros pre impresas, las cuales se pueden colorear o decorar.
b. La construcción de poliedros con hilo de cáñamo y popotes de papel.

Se harán estaciones de trabajo con mantas.

La entrada es libre y todo el material está incluido.

CARLA ALTESOR

De padre uruguayo y madre de ascendencia Yucateca, Carla Altesor nació en la Ciudad de México. A causa de esta mezcla de costumbres, creció amando desde asados, pastas frescas y Panuchos, hasta “comfort foods” americanos. Guiada por una familia donde todos fueron maestros de clases de cocina, y gracias a la fusión de sabores y culturas, su paladar y conocimiento culinario tuvieron oportunidad de ampliarse desde temprana edad. Carla es Licenciada en Artes Plásticas por la Universidad de las Américas Puebla.

Estando en Cholula, su inquietud la impulsó a abrir un club de comida donde cada semana se preparaban menús de degustación con ingredientes locales. Igualmente, asesoró aperturas de negocios de comida, y empezó a crear y servir pequeños eventos exclusivos.

En 2007 comienza a impartir cursos de cocina particulares y a la par, escribie reseñas de restaurantes para revistas como Saborearte, Sabor y Animal.

Retoma la creación de eventos boutique dentro de la ciudad de México y aún los ejecuta. En 2016 se unió a Sicomoro Ediciones para llevar a cabo el libro Alejandro Ruiz, Cocina de Oaxaca, donde su participación comienza con la investigación culinaria, y pasa por creación, desarrollo prueba, edición de recetas y textos.

Actualmente Carla vive en la Ciudad de México y continúa desarrollando recetas, escribiendo, diseñando y dando asesorías dentro del rubro culinario.

@caraltesor

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CRÉDITOS

EDICIÓN > Christian Rivera

MÚSICA > Máximo Hollander

DISEÑO DE PRODUCCIÓN > Sebastián Romo

CARLA ALTESOR

Es una experiencia inmersiva de luz y sonido que lleva a las personas en un viaje a través de los sentido, estimulando su imaginación para descubrir su potencial creativo.

Con una sofisticada programación de más de 300 luces y un diseño de audio envolvente con piezas musicales originales, White Canvas es una plataforma donde convergen el arte y la tecnología.

White Canvas se ha presentado en distintas ciudades y es una de las instalaciones originales más exitosas de Cocolab, inspirando positivamente a otras personas dentro y fuera de México para realizar proyectos y colaboraciones que exploren nuevos paradigmas de creación.

< Arte Abierto > abre al público esta instalación de Cocolab del 30 de noviembre, 2018 al 30 de enero, 2019 en la planta baja de Artz Pedregal.

EMMA JATZIRI

Emma Jatziri (1991) es una joven artista contemporánea mexicana egresada de la licenciatura de Artes Plásticas en la Facultad de Artes UABC, Ensenada. Es beneficiaria de programas como Jóvenes Creadores del FONCA y PECDA. Ha recibido varios premios entre los que se destaca la XXI Bienal de Baja California (2017). De manera colectiva resalta el Premio “Arte Abierto para todos” (2019), I Bienal de Difusión Cultural Biodiversidad de México (2019), Encuentro Nacional de Arte Joven (2018 y 2019), Salón ACME (2018) y Bienal UNAM (2016).

Emma Jatziri explora la creación de obra tridimensional en la cual es posible percibir en la escultura elementos del dibujo. El tejido de alambre es la solución técnica con la cual indaga sobre la capacidad plástica y visual del material, y sus posibilidades de construcción.

Su obra atraviesa el filtro de la experiencia personal, la realiza no a partir de transcripciones miméticas, sino a partir de la interpretación de un paisaje que redescubre reivindicando las peculiaridades de su entorno y de sus raíces culturales.

Emma Jatziri vive y trabaja en Ensenada, Baja California.

https://emmajatziri.blogspot.com/

@emmajatziri

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CRÉDITOS

EDICIÓN > Saulo Corona

MÚSICA > Máximo Hollander — ‘Singularity’ Jonny Easton (cc)

DISEÑO DE PRODUCCIÓN > Sebastián Romo

MARCO MARGAIN

Esta cápsula está dedicada a todos los foodies.

Marco Margain es un chef mexicano que practica cocina de ‘liquidación’ refiriéndose al uso de ingredientes que se tiene y con ello crear un platillo delicioso.

Los dos proyectos más importantes de Marco son: su restaurante Broka en el corazón de la colonia Roma y Hacienda San Andrés de donde provienen gran parte de los ingredientes de su cocina, como los hongos silvestres, procedentes de sus cultivos orgánicos. La unión de estos proyectos está enfocado en el regreso al campo y al consumo sustentable. Tanto en la hacienda como en el restaurante se trabaja conforme a los procesos naturales de la tierra; aprovechando y consumiendo los productos de estación.

Marco nos explica la importancia de nutrir la tierra para que estos nutrientes se transmitan a las cosechas. Por ejemplo, los residuos orgánicos del restaurante se devuelven al rancho para hacer composta y alimento para ganado.

Este cocinero practica lo que algunos conocen como ‘agricultura con cultura’, pensando en una agricultura que nos ayuda a retomar una cultura de cultivo más acercada a la naturaleza y a los procesos de manera respetuosa con la tierra, el medio ambiente y el producto final. Un sistema agroalimentario sostenible y saludable que demuestra que hay alternativas en la producción de alimentos.

@brokabistrot

@haciendasanandres

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CRÉDITOS

EDICIÓN > Christian Rivera

MÚSICA > Máximo Hollander

DISEÑO DE PRODUCCIÓN > Sebastián Romo

ANDRÉS SÁNCHEZ MAHER

Andrés Sánchez Maher (CDMX, 1974) Bajista / productor y compositor musical estudió la carrera de música y composición en el Centro de Investigación y Estudios de Música (CIEM). Fue miembro fundador de la agrupación Titán con quienes lanzó álbums como “Karate Mix” en 1995 y parte de la segunda producción «Elevator» el cual fue editado por Virgin en 1999. De 2011 a 2017 colaboró como bajista y tecladista del grupo mexicano Zoé.

Andrés Sánchez no conoce fronteras en la exploración musical y la colaboración, su participación en proyectos con gente como Jacobo Lieberman, Leo Heiblum y Alexis Ruiz con quienes fundó Exotic Ensemble.

Entre su trabajo también podemos encontrar producción y musicalización para cine, teatro, danza, radio y televisión como: ‘Erendida Ikikunari’ (2006), ‘La Abolicion de la Propiedad’ (2011), ‘Almacenados’ (2015), ‘Sabrás qué hacer conmigo’ (2015), ‘Mexican Gangster’ (2015, nominado a mejor música original Arieles 2016), ‘El Charro de Toluquilla’ (2016) documental en colaboración con Gus Reyes, ‘Sin Muertos No Hay Carnaval’ (2016) en colaboración con Leo Heiblum y Toño Cepeda, ‘Sueño en otro Idioma’ (2017) ganador del Ariel por Mejor Música Original, ‘El Chapo’ (2017-2018) serie TV en colaboración con Gus Reyes y Dudu Aram, ‘Falco’ (2018) serie TV en colaboración con Gus Reyes, ‘Torre X Torre’ (2018) documental también en colaboración con Gus Reyes, ‘Ayotzinapa, El Paso De La Tortuga’ (2018) documental en colaboración con Gus Reyes y Camila Uboldi, ‘El Complot Mongol’ (2018) en colaboración con Dan Zlotnik y Gus Reyes, por mencionar algunos proyectos.

También conocido como Sanchez Dub, tiene un estilo definitivo que fusiona ritmos electrónicos y programación digital con armonías de dub, delay y reverberación. Pionero en la escena musical mexicana, su síntesis de música africana, latina y caribeña con ritmos electrónicos abrió lo que fue una ruta inhóspita en México. Colaboraciones con Fake Fazz y Wako Texas le han permitido flexionar su destreza para la improvisación en vivo en el bajo, aportando un sabor único de Jazz y Funk.

La construcción de canciones y sonido orgánico de instrumentos traduce a Sanchez Dub en una emocionante banda en vivo, un claro ejemplo es su último sencillo “Humans”.

Andrés vive y trabaja en la CDMX.

@sanchezdub

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CRÉDITOS

EDICIÓN > Christian Rivera

MÚSICA > Máximo Hollander

DISEÑO DE PRODUCCIÓN > Arte Abierto