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Author: pepe

26 sep

Posted at 16:35h in Noticias

ILLEGAL ART TED TALK

Sintonizador Fronterizo | Rafael Lozano-Hemmer

El 13 de noviembre de 2019 se activa Sintonizador Fronterizo, una instalación de arte público de Rafael Lozano-Hemmer que conecta a la Ciudad Juárez, Chihuahua, México con El Paso, Texas, Estados Unidos.

Tres estaciones interactivas en cada lado de la frontera controlan poderosos reflectores robóticos con una pequeña perilla o dial. Cuando las luces de dos estaciones se entrecruzan, automáticamente se encienden micrófonos y bocinas para permitir que los participantes puedan hablarse entre sí, creando conversaciones transfronterizas.

Al comienzo de cada noche, antes de abrir los micrófonos al público en general, se invitará a invitados especiales a tomar el control del sistema durante 30 minutos de programación curada. Entre ellos estarán poetas, músicos, boxeadores, adultos mayores, oradores indígenas, creadores / piratas informáticos e historiadores. Durante estos «comentarios de apertura», la pieza se activará en un modo especial donde todas las luces se cruzarán y las seis estaciones podrán escucharse entre sí.

Sintonizador Fronterizo no sólo está diseñado para crear nuevas conexiones entre las comunidades en ambos lados de la frontera, sino también para hacer visibles las relaciones que ya existen: magnificar las relaciones, conversaciones y cultura existentes. La pieza está pensada como un «conmutador» visible de comunicación donde las personas pueden representarse a sí mismas. El proyecto busca proporcionar una plataforma para una amplia gama de voces locales y una oportunidad para llamar la atención internacional sobre la coexistencia e interdependencia de las ciudades hermanas que crean el área metropolitana binacional más grande del hemisferio occidental.

< Arte Abierto > se une al grupo de colaboradores que apoya a la realización de Sintonizador Fronterizo y que creen que el arte puede acercar a las personas, especialmente en entornos públicos abiertos.

El proyecto estará abierto todas las noches del 14 al 24 de noviembre, de 6:30 p.m. a 11:00 p.m. y el público puede participar de manera gratuita desde las estaciones que se encuentran en El Parque del Chamizal, Ciudad Juárez y Bowie High School, El Paso.

Para más información sobre Sintonizador Fronterizo visita: www.bordertuner.net/

26 sep

Posted at 16:34h in Noticias

SMARTFILMS

SMART FILMS

El festival se rige bajo la estructura de ejecución anual y durante el proceso se realizan actividades pedagógicas y de activación para incentivar a las personas a que participen y fomenten la industria cinematográfica en México. Todas las personas lo pueden hacer y todas lo pueden ver.

< Arte Abierto > recibe en México a este festival de películas realizadas con celular en Artz Pedregal este 2 de mayo para el lanzamiento de su segunda edición en nuestro país: SmartFilms 2019.

https://smartfilms.mx/blog/se-acerca-el-dia-de-lanzamiento/

26 sep

Posted at 03:38h in Alianzas

AMBULANTE

AMBULANTE

Fundada en 2005, esta organización sin fines de lucro está dedicada a apoyar y difundir el cine documental como una herramienta de transformación cultural y social. Ambulante viaja a lugares que cuentan con poca oferta de exhibición y formación en cine documental, con el fin de crear una audiencia participativa, crítica e informada, y abrir nuevos canales de expresión y reflexión en México y en el extranjero.

Cada año realiza un festival internacional de cine documental que recorre varios estados de México durante 2 meses. Con una muestra internacional de más de 100 títulos, alrededor de 100 invitados y más de 150 sedes, Ambulante promueve el cine documental a lo largo del país. La gira busca ampliar los circuitos tradicionales de exhibición en México más allá de las sedes comerciales con el objetivo de alcanzar a distintos grupos.

Ambulante integra el espacio de < Arte Abierto > como una de sus sedes en la Ciudad de México a partir de 2019. En el mes de mayo, 2019 < Arte Abierto > proyecta 4 documentales de Ambulante al aire libre en Artz Pedregal.

26 sep

Posted at 03:37h in Alianzas

LA COLECCIÓN JUMEX

UGO RONDINONE (Suiza, 1964)
LOVE INVENT US, 1999

Letrero de neón, acrílico, lámina translúcida, acero

En las propuestas artísticas de Ugo Rondinone utiliza «símbolos muy básicos, algo con lo que todos pueden relacionarse, desde un niño a una persona mayor, de oriente a occidente». El énfasis de estas obras está en crear una experiencia, en lugar de una conceptualización o de su comprensión.

El arco iris es uno de los motivos más comunes en el trabajo de Rondinone. A partir de 1997, comenzó a producir letreros de gran formato con frases sencillas y poéticas. Estas estructuras metálicas compuestas de grandes palabras iluminadas, parecen flotar en el aire y siguen la forma y los colores del arco iris. La obra busca ser algo hermoso y fantástico; el arco iris es un símbolo que también se encuentra relacionado con las comunidades LGBT y por lo tanto, esta pieza se refiere a la libertad de amar a quien uno quiere.

Para Rondinone, este símbolo es especialmente importante ya que nos recuerda su larga relación con el afamado escritor, poeta y también artista neoyorquino John Giorno.

www.fundacionjumex.org

26 sep

Posted at 03:36h in Alianzas

LA COLECCIÓN JUMEX

DAN GRAHAM (Estados Unidos, 1942)
GROOVY SPIRAL, 2013

Espejo de dos vistas, acero inoxidable

“Mis pabellones son siempre una especie de espejo bi-direccional; transparente y reflejante a la vez, y cambia a medida que se modifica la luz del sol. Esto se relaciona con el paisaje cambiante, pero también significa que las personas en el interior y en el exterior tienen vistas superpuestas, ya que cada una mira al otro y al material. Es intersubjetivo.”

Dan Graham

Los pabellones de Dan Graham están a medio camino entre el diseño, el arte y la arquitectura funcional. Son creados para generar experiencias tangibles con el público. Estas obras juegan con la óptica y pueden llegar a desorientar al espectador, buscando cuestionar la percepción cotidiana de los espacios.

www.fundacionjumex.org

26 sep

Posted at 02:59h in Colección

DANIEL BUREN

DANIEL BUREN (France, 1938)
DE LA ROTONDA DE LA FUENTE. CINCO COLORES PARA MÉXICO, 2018

Trabajo in situ. Homenaje al Arquitecto Manuel Tolsá

Mármol, cancelería y cristales de colores

La obra de Daniel Buren gira en torno a la abstracción de la forma a través de la línea y el color; su propuesta se enmarca en el territorio de lo arquitectónico y lo urbano. Con sus obras de sitio específico acentúa aspectos de los edificios, de los espacios que interviene y en consecuencia también incide en el paisaje. Sus composiciones en última instancia abordan la relación entre el ser humano y su entorno físico.

La pieza que aquí vemos, fue pensada y producida para la fuente central del complejo ARTZ Pedregal, en ella, el artista creó un diálogo con el espacio y el entorno, a través de la combinación de materiales simples, figuras geométricas y colores sólidos que conviven con el agua y la luz natural.

Daniel Buren (Francia, 1938) ha trabajado por más de cinco décadas en la intersección entre arte, arquitectura y espacio. En los 60 desarrolló la idea del “grado cero de la pintura”, como el mismo lo llamó, para jugar con los materiales y su relación con el medio y la estructura que dan forma a la obra de arte. Sus proyectos de intervención son totalmente pensados y creados en el sitio que se establecen, tomando en cuenta el contexto que los alberga y una paleta de colores que permita detonar sentidos y dinamismos entre la obra y el espacio. Estas piezas buscan ser una herramienta para cuestionar cómo miramos y percibimos, así como la forma en que el espacio es usado y apropiado. El trabajo de Buren se ha presentado en museos, espacios públicos e instituciones de arte de Alemania, Bélgica, Estados Unidos, España, Francia, Italia y México, por mencionar algunos.

26 sep

Posted at 02:58h in Colección

AI WEIWEI

AI WEIWEI (China, 1957)
FOREVER, 2013

Acero inoxidable

Forever es la marca de bicicletas más popular en China, producida masivamente en Shanghai desde 1940.

La escultura hace un despliegue en serie de la bicicleta exhibiendo tortuosamente su forma reiterada. Sugiere una reflexión sobre el individuo en la sociedad China, donde poco a poco el crecimiento de las metrópolis ha optado por otros medios de transporte que la han sustituido. Hoy, el urbanismo de la metrópoli china contemporánea ha dejado marginada y disminuida tanto su utilidad como su estatus social.

Por otra parte, no se puede dejar de ver su referencia a los ready mades u objetos encontrados de principios del siglo XX, que tienen a la bicicleta como una de sus figuras más reconocibles.

Ai Weiwei (China, 1957) es uno de los artistas y figuras culturales líderes de su generación, tanto por su producción artística como por su activismo político. Su trabajo surge a partir de una vinculación entre la investigación social y los modos de creación, los cuales determinan las formas de representación y aparición de su arte. A través de esculturas, fotografías, performances, instalaciones y objetos, cuya manufactura mezcla el trabajo artesanal y conceptual, explora la existencia humana a partir de su relación con las fuerzas económicas, políticas, naturales y sociales. Su trabajo se ha presentado en museos, espacios públicos e instituciones de arte de Alemania, Austria, Brasil, Estados Unidos, Finlandia Francia, Inglaterra, Israel, México, Portugal y Turquía, entre otros.

26 sep

Posted at 02:57h in Colección

TANIA CANDIANI

TANIA CANDIANI (México, 1974)
KIOSKO SONORO, 2018

Estructura de acero, trompetas, tubos, bases de concreto

Para crear esta pieza interactiva, la artista partió de la idea de un kiosco tradicional y el papel social y cultural que este juega en la plaza pública.

La escultura sonora reflexiona sobre la carga histórica contenida en ese tipo de construcciones a través de su estructura, conformada por una retícula de trompetas, conectadas a través de mangueras rígidas a un punto de transmisión único, que permite ser activado por el público. La pieza así adquiere nuevas atribuciones al integrar una experiencia personal directa en el entorno de lo público.

Tania Candiani (México, 1974) es una artista multidisciplinaria que trabaja en la intersección entre el arte, la literatura, el diseño, la música, la arquitectura, la ciencia y la tecnología. Sus proyectos juegan y se aproximan a las diferentes narrativas que se pueden generar, traducir o explorar dentro los diferentes sistemas simbólicos y de comunicación que utilizamos cotidianamente, como los lenguajes fonéticos, gráficos, lingüíticos y tecnológicos. Así, sus obras, ya sean performances, instalaciones, objetos, esculturas, acciones, buscan reflexionar sobre las diferentes formas en que nos relacionamos como seres sociales y culturales. Candiani es becaria del Sistema Nacional de Creadores de Arte de México desde 2012 y representó a México en la 56ª Bienal de Venecia. Su trabajo se ha presentado en museos, espacios públicos e instituciones de arte de Colombia, Cuba, Estados Unidos, Italia, Lituania, México, Polonia, Reino Unido y Rusia entre otros.

13 jul

Posted at 12:59h in Espacio Abierto

LUZ INSTANTE

06.26.2021 – 09.19.2021

ESPACIO ABIERTO

JULIA CARRILLO. LUZ INSTANTE

06.26.2021 – 09.19.2021

Luz instante es un recorrido a través de una serie de artefactos ópticos que crean un continuo sensorial. Cada pieza vincula luz, espacio y tiempo, a la vez que nos anima a experimentar con nuestros cuerpos. Es una invitación a que cada participante se adueñe y habite las obras desde un lugar propio. El visitante creará espacio y activará de inmediato las obras, porque cuando entramos a un espacio el espacio entra en nosotros y la experiencia se convierte en un intercambio, en una fusión entre sujeto y objeto, el aquí y ahora lumínico constituido por los encuentros espaciales.

Este recorrido a través de la luz inicia con una obra en exterior cuyas proyecciones se activan con la luz solar, de manera que sus efectos son temporales, intermitentes, aleatorios. El trayecto cambia de sentido hacia el interior de la sala, aparece una luz controlada que deviene elemento sustancial de los artefactos ópticos. Los artefactos surgen de fenómenos que ocurren en la naturaleza, de situaciones cotidianas que sí alcanzamos a ver pero no siempre a observar. En la sala, estos artefactos se convierten en extensiones protésicas del cuerpo humano y nos llevan a dimensionar espacios que parecieran inusitados, pero que ahí están, en nuestro día a día. Son dispositivos que fusionan el objeto con el sujeto, la materialidad de las superficies especulares con la introspección, con impresiones emotivas y, también, con la curiosidad. Los artefactos se transforman durante el recorrido, acotan la interacción o la abren hasta contenernos, dosifican la implicación sensorial, primero el ojo y luego el cuerpo, como si fuéramos activando progresivamente nuestras capacidades perceptivas.

De sus experimentos con el espacio surgen las esculturas virtuales, figuraciones geométricas e ilusoriamente tridimensionales que se descubren en el interior de sus caleidoscopios. ‘Esculturas de luz’ les llama Julia, porque la luz es justamente la materia de estas piezas. Las obras de esta muestra juegan con la percepción del espectador dentro de diferentes espacios, provocando situaciones de inmersión que lo llevan a un momento único de descubrimiento.

Con la exposición Luz instante Julia Carrillo traslada una parte de su laboratorio de experimentación en el que ha trabajado desde hace varios años a Espacio Arte Abierto. Luz instante es el resultado de sus estudios sobre la luz, sobre cómo crea espacio, cómo nos deja percibir lo que habitamos y, a su vez, cómo nos permite reconocer momentos o distinguir ciertas atmósferas.

PARA EVITAR FILAS, ADQUIERE TU ENTRADA EN: registroarteabierto.org

< Arte Abierto > presenta Julia Carrillo, Luz instante la cual se encontrará en exhibición y abierta al público en Espacio Arte Abierto en el piso 2 del complejo arquitectónico de ARTZ Pedregal del 26 de junio al 19 de septiembre, 2021.

JULIA CARRILLO

Julia Carrillo (México, 1987) estudió Matemáticas en la Universidad Nacional Autónoma de México y cursó una Maestría en Artes Visuales en la Academia de San Carlos, posteriormente realizó estudios en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York (SVA). Relaciona su práctica artística con nociones derivadas de las matemáticas y la física para construir un acercamiento a los fenómenos naturales, como la transformación del espacio, los movimientos de la luz, los viajes del sonido y la dinámica de las fuerzas fluidas.

Entre sus exposiciones individuales se encuentran La luce e la sua assenza en A Pick Gallery (Italia, 2021); Estrofas de agua en Centro Cultural Bucareli 69 (México, 2019) y Geometrías de la Luz en el Centro de Ciencias de la Complejidad (C3), UNAM (México, 2017). También ha participado en muestras colectivas en México y en el extranjero. Es beneficiaria del del programa Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) y del Programa ACT (Arte, Ciencia y Tecnología) de la Secretaría de Cultura / UNAM, por mencionar algunos. Ha participado como artista invitada en la residencia del Programa de Residencias Artísticas Laboratorio Arte A. C. del Tecnológico de Monterrey, México (2020); MMCA Programa de residencia internacional para artistas del Museo Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo, Seúl, Corea (2019) y Flux Factory de Nueva York, EUA, (2014) entre otros. Recientemente fue artista seleccionada para la residencia Art OMI (2020, ahora programada para 2022).

Actualmente es investigadora del C3 (Centro de Ciencias de la Complejidad, UNAM).

Para conocer más sobre el trabajo de Julia Carrillo visita juliacarrillo.mx/

13 jul

Posted at 12:58h in Programa Público

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FURIA Y POESÍA

10 AÑOS — ATELIER ROMO

13.MARZO — 13.JUNIO — 2021

FURIA Y POESÍA

10 AÑOS — ATELIER ROMO

PARA GARANTIZAR TU ACCESO, ADQUIERE TU ENTRADA EN LÍNEA: registroarteabierto.org

El modelo de trabajo de < Arte Abierto > se basa en la colaboración con artistas y expertos invitados, qué en sus estrategias y conceptos de producción artística, se alinean a los valores y objetivos institucionales con proyectos específicos de arte contemporáneo.

Desde el 2019 hemos trabajando con Sebastián Romo, fundador y creador de Atelier Romo, el resultado de esta significativa colaboración se nombra Atelier Abierto, que por sus líneas de trabajo pedagógicas y de orden participativo, es uno de los componentes conceptuales más importantes de nuestra Fundación.

A través de este programa desarrollaremos estrategias y actividades educativas únicas para el acercamiento directo con nuestros públicos.

Para instaurar este espacio físico, dedicado a nuestros públicos, Arte Abierto se enorgullece en presentar la exhibición Furia y Poesía. 10 años de Atelier Romo. Con ella reconocemos y celebramos esta metodología educativa, integral y multidisciplinaria, que se rige bajo el concepto de educación profunda, entendida como todo conocimiento que nos acompaña y mejora nuestra vida cotidiana.

Trabajar en un espacio ubicado en ARTZ Pedregal, nos da la oportunidad de romper con los circuitos habituales del arte contemporáneo y construir nuevos públicos y participantes desde el arte.

< Arte Abierto > presenta la exposición Furia y Poesía. 10 años de Atelier Romo, la cual se encontrará en exhibición y abierta al del 13 de marzo al 13 de junio del 2021 de 12:00 a 5:00 PM en el espacio Atelier Abierto, ubicado en la PB de ARTZ Pedregal, en Periférico Sur 3720, Jardines del Pedregal, Álvaro Obregón en la Ciudad de México.

Crecí en una primaria maravillosa. Había una cooperativa para aprehender matemáticas con la que se financiaban los campamentos, que se transformaban en aulas móviles. En los talleres de la escuela lo mismo se construían los juegos del patio (Que todavía existen), se horneaba pan, o se tejía a gancho. Por supuesto el taller de carpintería era uno de mis favoritos. Tomábamos clases en algunos espacios vecinos, que suponían un par de caminatas semanales las cuales eran una aventura. Gozábamos de una gran libertad bien contenida. Dejar la escuela Herminio Almendros, supuso un periplo adolescente por instituciones donde sentía que no se aprehendía nada. Mi interés por el arte parecía no tener eco.

Tuve la suerte de tener magníficos MAESTROS, personas solidarias y comprometidas. Posteriormente, al dar clases entendí y vi el ansia, el desespero de algunos chicos luchando en la universidad por querer materializar sus sueños.

El Atelier se fundó desde la necesidad que tenía un pequeño grupo de universitarios. Ellos fueron quienes dieron la primera estructura, sabían que era lo que querían hacer y como hacerlo.

Después de diez años de trabajo continuo encontramos una metodología propia, no de importación, construida desde los integrantes de Atelier y complementada por un maravilloso grupo de personas expertas en diferentes disciplinas que generosamente han compartido su conocimientos y experiencia.

Atelier Romo es un espacio donde se prioriza el hacer sobre la retórica, el roce entre disciplinas, el intercambio de ideas y puntos de vista, la curiosidad y la experimentación, la autoestima el empoderamiento y la autonomía.

Pasamos de ser cofradía, para convertirnos en educación alternativa, después “Academia de pensamiento visual” y ahora queremos ahondar en la idea de educación profunda, en nuestros propios términos.

Quiero dar las gracias a mis alumnos por ser mis maestros y a mis maestros por compartir su vida.

Sebastián Romo

Diciembre de 2020.

ATELIER ROMO

Desde hace diez años Atelier Romo ha desarrollado una metodología educativa, integral y multidisciplinaria basada en las artes. Actualmente, el eje rector está focalizado en la educación profunda entendida como todo conocimiento que nos acompaña y mejora nuestra vida cotidiana.

La metodología consiste en integrar el cuerpo, el pensamiento, la cultura y el arte desde la práctica constante y disciplinada, en un ambiente de trabajo relajado que cuenta con todos los requerimientos para aprehender y crear sin limitaciones.

Tiene como líneas de trabajo el pensamiento visual y el dibujo; los principios básicos para la construcción suave, entre ellos la costura, la electricidad y la creación de maquetas; y el desarrollo de un proyecto final que tiene como salidas una exposición y una publicación editorial.

Atelier Romo ha tenido diversas colaboraciones con instituciones como el Museo Tamayo, la Fundación Alumnos 47, la Colección Jumex, diversas universidades y centros de arte en el interior del país, y en el extranjero con el Fashion Institute of Technology de Nueva York. También, fue invitado a desarrollar un proyecto especial para la XII Bienal FEMSA.

Además de las cinco monografías impresas que ha compilado a lo largo de su historia, ha presentado múltiples proyectos expositivos y cinematográficos en espacios como Casa Vecina, el Museo Tamayo, la Sala de Arte Público Siqueiros, La Tallera, el Centro de Artes Visuales de Mérida y el Instituto Cervantes de Nueva York, entre otros.

Atelier Romo tiene un especial énfasis en la comunidad preuniversitaria, con la intención de prepararlos para saber vivir mejor y poder responder con eficiencia al momento histórico que habitan.

@atelier.romo

@atelier_romo

SEBASTIÁN ROMO

Sebastián Romo (Ciudad de México, 1973)
 realizó estudios de fotografía, cine documental y Artes Visuales en la Universidad Nacional Autónoma de México.

Ha participado en varias exposiciones individuales y colectivas a nivel nacional e internacional.

El trabajo de Sebastián forma parte de diversas colecciones privadas en Alemania, Brasil y Estados Unidos. En México destacan: La Colección Jumex, el Museo de Arte Moderno, el Museo Carrillo Gil, por mencionar algunas.

Sebastián Romo, es fundador del Atelier Romo, plataforma educativa multidisciplinaria, para alumnos de alto rendimiento, la cual implementa estrategias del arte contemporáneo para atender problemas de la actualidad. La academia de pensamiento visual y la implementación de educación profunda son algunos de los proyectos que se realizan actualmente.

@sebastianromoart

Arte Abierto